Professeur à la Indiana University, Mauricio Fuks a commencé l’étude du violon en Uruguay, sa terre natale. Diplômé de la Juilliard School of Music, où il a étudié avec Joseph Fuchs et Ivan Galamian, il complétera sa formation musicale auprès de Jasha Heifetz.

Après s’être dédié à une éblouissante carrière internationale, tant comme soliste que comme chambriste, M. Fuks se consacre maintenant à l’enseignement. Il est régulièrement invité à la Hochschule Mozarteum de Salzbourg, à la Limerick University en Irlande, au Royal Academy of Music et à la Yehudi Menuhin School à Londres et donne des classes de maître à travers le monde.

Mauricio Fuks est aujourd’hui considéré comme une sommité dans l’enseignement du violon. 

<< Revenir à la section académie

Federico Agostini est reconnu comme soliste, chambriste et professeur.

Après une formation avec son grand-père durant son enfance, il a étudié le violon au Conservatoire de musique de Trieste, sa ville natale, ensuite à Venise et plus tard à l’Accademia Chigiana à Sienne. Salvatore Accardo et Franco Gulli comptaient parmi ses professeurs.

Agostini a débuté à titre de soliste à l’âge de 16 ans, jouant Mozart sous la direction de Carlo Zecchi. Depuis ce temps, il a joué à travers le monde en tant que récitaliste et soliste avec plusieurs orchestres et à titre de premier violon pour le légendaire ensemble italien I Musici.

Il a fait maintes apparitions dans divers festivals internationaux en Europe, aux Etats-Unis et au Japon, et a participé à plusieurs concerts de musique de chambre aux côtés d’artistes tels que Bruno Giuranna, Jaime Laredo, Joseph Silverstein, Janos Starker, ainsi qu’avec les membres des American, Emerson, Fine Arts, Tokyo et Guarneri Quartets.

En compagnie du violoniste Yosuke Kawasaki (actuellement premier violon de l’orchestre du Centre National des arts d’Ottawa), James Creitz (ancien altiste du Academica Quartet) et Sadao Harada (ancien violoncelliste et fondateur du Tokyo String Quartet), Federico Agostini a fondé le D’Amici String Quartet en 2004.

Federico Agostini est aussi un professeur très en demande. Il a donné des classes de maître dans plusieurs facultés de musique aux États-Unis, au Mexique, en Italie, en Allemagne, au Danemark, en Suède, au Japon et en Australie. Il habite présentement aux États-Unis où il enseigne à la Jacobs School of Music de l’université d’Indiana à Bloomington.

<< Revenir à la section académie

La saison 2011-2012 marque les débuts du violoniste canadien Jonathan Crow au poste de premier violon de l’Orchestre symphonique de Toronto. Né à Prince George en Colombie-Britannique, Jonathan Crow arrive à Montréal en 1995 pour faire ses études à l’Université McGill. C’est à l’âge de 19 ans qu’il obtient son baccalauréat en musique et joint les rangs de l’Orchestre symphonique de Montréal. Il y joue d’abord à titre de second violon solo associé avant d’être choisi, cinq mois plus tard, pour occuper la chaise de premier violon solo associé. En 2002, Jonathan devient le plus jeune musicien à occuper le poste de violon solo dans un orchestre nord-américain, poste qu’il conserve jusqu’en 2006. Il poursuit actuellement une carrière internationale de violon solo invité auprès d’ensembles comme l’Orchestre du Centre national des Arts, l’Orchestre de chambre Mahler, l'Orchestre Symphonique de Toronto, la Filarmonia de Lanaudière et l’Orchestre du Festival Pernambuco au Brésil.

En mai 1997, Jonathan interprète le Concerto pour violon de Tchaïkovski dans le cadre d’un concert-bénéfice au profit de l’Orchestre symphonique de Victoria sous la conduite de Sir Yehudi Menuhin, performance qui impressionne grandement ce dernier et qui vaut à Jonathan une invitation à jouer avec l’Orchestre symphonique de Vancouver en avril 1998. Le violoniste, qui continue à se produire en Amérique du Nord, a eu l’occasion de jouer comme soliste avec la plupart des grands orchestres canadiens, notamment les orchestres symphoniques de Toronto, de Montréal, de Calgary, de Kingston, de London, du Centre national des arts, de Victoria et de Vancouver sous la direction d’illustres chefs d’orchestre dont Charles Dutoit, Sir Yehudi Menuhin, Kent Nagano, Peter Oundjian, Sir Andrew Davis, Mario Bernardi et João Carlos Martins. On peut également l’entendre sur les ondes des chaînes Espace Musique de Radio-Canada, CBC Radio Two et National Public Radio ainsi que sur les chaînes européennes Radio France, Deutsche Welle, Hessischer Rundfunk et RAI.

Féru de musique de chambre, Jonathan a participé à plusieurs festivals consacrés à ce répertoire en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe, notamment à Banff, à Ravinia, à Orford, au Domaine Forget, à Seattle, à Montréal, à Ottawa, à l’Incontri in Terra di Sienna, à Alpenglow, au Festival Vancouver, à Pernambuco (Brésil), à Giverny (France) et au festival Strings in the Mountains. Fervent défenseur de la musique contemporaine, il a présenté en première mondiale les œuvres de compositeurs comme Michael Conway Baker, Eldon Rathburn, Barrie Cabena, Luna Pearl Woolf, Ana Sokolovic, Marjan Mozetich, Christos Hatzis, Ernest MacMillan et Healey Willan, et compte dans son répertoire des grandes œuvres concertantes de compositeurs reconnus tels Ligeti, Schnittke, Bernstein, Rodney Sharman, Cameron Wilson et Brian Cherney. Le violoniste a en outre enregistré sous les étiquettes CBC, Oxingale, Skylark, XXI-21 et ATMA.

Depuis 2005, Jonathan est professeur adjoint de violon à l’École de musique Schulich de l’Université McGill. Plusieurs de ses étudiants ont d’ailleurs remporté des prix lors de concours nord-américains dont le Concours de l’Orchestre symphonique de Montréal, la Shean Strings Competition, le concours CBC Radio's NEXT, le Concours national de musique Eckhardt-Gramatté, le Concours de musique du Canada et la Stulberg International String Competition. Certains d’entre eux se produisent aussi régulièrement au sein d’orchestres renommés comme l’Orchestre du Centre national des arts, l'Orchestre symphonique de Montréal, la Camerata Salzburg, le Konzerthausorchester Berlin, le Verbier Chamber Orchestra, l’Orchestre philharmonique de Vienne et l’Orchestre symphonique de Vienne.

Jonathan joue le violon «ex-Wm. Kroll», datant de 1738, de Guarneri del Gesù, très généreusement prêté par le D. et Mme Edward Pong au premier violon de l’orchestre symphonique de Toronto.

<< Revenir à la section académie

La violoniste Masuko Ushioda a fréquenté l’université de musique Toho Gakuen et le Conservatoire de Leningrad avant d’entreprendre une formation individuelle auprès du célèbre Joseph Szigeti. Comme l’observa fort justement ce dernier, « elle se distingue par son sens du style, son intelligence musicale, la sincérité de son élan et l’individualité de son exquise tonalité ».

En effet, dès l’âge de 14 ans, elle reçut le premier prix du Concours musical Mainichi, événement musical le plus en vue du Japon. Et lorsqu’elle remporta le concours Tchaïkovski, en 1966, les critiques applaudirent « le plus grand talent émergent, une artiste d’un lyrisme exceptionnel. » (Agence Tass, Moscou)

Depuis sa première saison en Europe et en Amérique du Nord, en 1965,  Masuko Ushioda a joué dans la plupart des grands orchestres du monde. Outre des récitals dans les principales villes d’Amérique du Nord et d’Europe, elle a effectué plusieurs tournées en ex-Union soviétique et en Amérique du Sud, et joué à de nombreuses reprises dans les principaux festivals de musique de chambre. Elle a également enregistré de nombreuses pièces de musique de chambre et d’orchestre auprès des compagnies Philips et Sony. 

Madame Ushioda enseigne au New England Conservatory à Boston. 

<< Revenir à la section académie

Soliste, chambriste et pédagogue renommé, le violoniste salzbourgeois Michael Frischenschlager descend d'une famille de musiciens bien connue et de longue tradition. Il a étudié le violon, la direction et la musicologie dans les universités et académies de Salzbourg, Cologne, Vienne et Rome. Ses professeurs de violon furent Theodor Müller, André Gertler, Franz Samohyl et Yehudi Menuhin. 

Après plusieurs années d'expérience avec des orchestres majeurs (Philharmonique de Vienne et Wiener Solisten), il amorce une intensive période exclusivement consacrée au récital et au concert comme soliste et chambriste qui l'a mené à travers l'Europe, l'Amérique du Nord et l'Asie. Dès 1971, Michael Frischenschlager a commencé à enseigner à l'Université de musique et des arts de la scène de Vienne. En 1984, il devient directeur du département de cordes, en 1989, vice-chancelier et, de 1992 à 1996, chancelier. 

M. Frischenschlager est demandé à travers le monde pour diriger des classes de maîtres et faire partie de jurys de concours internationaux. Depuis 1989, il est président du concours international Fritz Kreisler à Vienne et, en 1990, il a fondé l'Académie d'été Prague-Vienne-Budapest dont il est toujours le directeur. 

<< Revenir à la section académie

www.annerobert.com

Disciple de Josef Gingold, de Manoug Parikian et de Taras Gabora, Anne Robert a remporté de nombreux prix et distinctions, dont un prestigieux «Artist Diploma» de l’Indiana University et le convoité « Recital Diploma » de la Royal Academy of music de Londres. Outre ses activités d’interprète, Anne Robert est professeur au Conservatoire de musique de Montréal, à l’Université de Montréal ; elle  est aussi membre de jurys de concours internationaux.  Elle fait partie du Trio Hochelaga qu’elle a fondé en 2000.  

<< Revenir à la section académie

Premier prix de violon du Conservatoire de musique de Montréal où il a étudié avec Arthur Garami et Raymond Dessaints, Claude Richard se distingue par la suite en remportant le concours de l'OSM, le prix américain Jerome Gross, en plus d'être honoré à la United States Academy Award, en 1988. Boursier du Conseil des Arts du Canada, du Blossom Music Center, du Cleveland Institute of Music, du Fonds FCAR et de l'Académie de Lausanne, c'est auprès de David Cerone et de Donald Weilerstein - duquel il fut l'assistant - qu'il obtint respectivement le Artist Diploma et le Professionnal Studies Diploma du Cleveland Institute of Music. Il a de plus participé aux classes de Yehudi Menuhin, Isaac Stern et Joseph Gringold.

Remarqué par la critique internationale pour «... sa sonorité infailliblement puissante, ses idées de style parfaitement appropriées, son excellente communication et sa fluidité d'expression » (Robert Finn - The Cleveland Plain Dealer), qui écrivit également « chaque note parfaitement placée, jouant avec de gigantesques vagues de son, je ne peux me rappeler avoir entendu cette oeuvre jouée avec une émotion aussi intense » (Greg Stepanich - Florida News), Claude Richard est promis, dès ses débuts, à une carrière internationale. Il fut soliste invité d'orchestres canadiens et américains. Il a effectué des tournées en Allemagne, en Suisse, en Italie et en France. Reconnu comme chambriste, il fut invité à se produire avec le pianiste Emmanuel Ax pour « un concert de haut niveau et pour lequel le large éventail de l'interprétation parle de façon réfléchie et avec grandeur » (Wilma Salisbury - The Plain Dealer).

Il fut professeur au Ithaca College de New York, à l'Université du Manitoba, à l'Université d'Ottawa et au Conservatoire de musique de Montréal. Il fut de plus violon-solo au Manitoba Chamber Orchestra. Monsieur Richard est présentement professeur agrégé à la Faculté de musique de l'Université de Montréal. Il a donné des cours de maître aux États-Unis, au Canada et en France dans des institutions aussi prestigieuses que le Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon et le Cleveland Institute of Music. Il fut artiste en résidence à la chapelle historique du Bon-Pasteur, à Montréal, de 1996 à 2000; il enseigne également au Festival international du Domaine Forget depuis 1992. Claude Richard a enregistré pour la Société Radio-Canada, Radio-France, la National Public Radio à Chicago, Cleveland, New york et Charleston. En septembre 2006, il fonda le Trio Garami.

Les étudiants de Claude Richard ont remporté de prestigieux prix, entre autres au Concours international de Montréal et à celui d'Osaka, et aux concours de l'Orchestre symphonique de Montréal, du Prix d'Europe et à tous les concours nationaux du Québec et du Canada. De plus, plusieurs de ses étudiants jouent maintenant avec des orchestres tels l'Orchestre symphonique de Montréal, de Québec,  d'Edmonton, l'Orchestre du Centre National des Arts à Ottawa, de l'Opéra de Tours, l'Orchestre des Violons du Roy et le Nova Sotia Orchestra parmi tant d'autres.

Claude Richard joue sur un magnifique violon fabriqué par Antonio Guadagnini à Turin en 1856.

<< Revenir à la section académie

"Rivest est une sorte de magicien qui, d’un coup de baguette, réussit toujours à transformer un concert en événement unique et extraordinaire…"   Le Soleil, Québec, 2010. 

Le chef d'orchestre québécois Jean-François Rivest est réputé pour son énergie, sa technique d’une extrême précision et son style passionné, émouvant et profondément engagé.  Il maîtrise naturellement une très grande variété de langages musicaux, (du baroque à aujourd’hui) et sa discographie en témoigne avec éloquence. 

Il a été nommé, à l’automne 2009, directeur artistique du Centre d’arts Orford, près de Montréal, où il préside à la destinée de son Académie prestigieuse et de son Festival international.  Sa première saison à la tête du CAO a été un franc succès et considérée par tous comme une année de grand renouveau artistique. 

Invité régulier de nombreux grands orchestres, ici comme à l’étranger, il a été chef en résidence à l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) de 2006 à 2009 où il a développé une très belle relation avec Kent Nagano ainsi que directeur artistique de l’Orchestre symphonique de Laval et du Thirteen strings Ensemble d’Ottawa. 

Jean-François Rivest croit fermement que la carrière d’interprète doit se doubler d’une action pédagogique afin de former les prochaines générations de musiciens.  Il a œuvré au sein de plusieurs institutions et surtout, depuis 1992, à l’Université de Montréal ou il y enseigne la direction d’orchestre et divers cours d’interprétation avancés.  Il est le fondateur, directeur artistique et chef principal de l'Orchestre de l'Université de Montréal (OUM). 

Formé au conservatoire de Montréal et à la Juilliard School de New York, il a étudié principalement avec Sonia Jelinkova, Ivan Galamian et Dorothy DeLay et s'est imposé rapidement comme l'un des meilleurs violonistes québécois de sa génération. 

Il est père de quatre enfants et la famille est au cœur de sa vie.  Il est passionné de plein-air et de nature, (plongée sous-marine, kayak de mer, escalade, trekking, photographie) et il a de nombreuses expéditions importantes à son actif.  Il croit que la nature dans toutes ses manifestations constitue une inspiration vitale dans la profession artistique!

<< Revenir à la section académie

Kent Nagano jouit d’une solide réputation d’interprète des répertoires symphoniques et opératiques. En septembre 2006, M. Nagano est devenu officiellement le huitième directeur musical de l’OSM en plus de remplacer Zubin Mehta à titre de directeur musical général de l’Opéra d’État bavarois de Munich. 

Directeur musical du Berkeley Symphony Orchestra depuis 1978, il quittera ces fonctions en mai 2009. Il deviendra alors Chef émérite de cette formation, en plus d’agir à titre de directeur artistique de la Berkeley Akademie, un programme consacré au répertoire pour petit orchestre. Né en Californie, il garde un contact rapproché avec son pays natal. Sa carrière a débuté à Boston : il a travaillé à l’Opéra et fut l’assistant du chef d’orchestre Seiji Ozawa au Boston Symphony Orchestra. À la demande du compositeur, il a joué un rôle clé lors de la première mondiale de l’opéra Saint François d’Assise d’Olivier Messiaen. Ses succès en Amérique ont eu de nombreux retentissements en Europe. Ainsi, il est devenu directeur musical de l’Opéra National de Lyon de 1988 à 1998, directeur musical du Hallé Orchestra de 1991 à 2000 et premier chef invité associé du London Symphony Orchestra. Il a alors dirigé les premières mondiales de l’opéra A White House Cantata de Bernstein et des opéras de Peter Eötvös (Three Sisters), John Adams (The Death of Klinghoffer et El Niño) et Saariaho (L’Amour de loin), au Festival de Salzbourg. La nomination de Kent Nagano en tant que directeur artistique et premier chef du Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, en 2000, fut une étape importante de sa carrière. Il a dirigé cet orchestre dans Moses und Aron de Schoenberg (en collaboration avec le Los Angeles Opera), et il a accompagné cet orchestre au Festival de Salzbourg pour l’interprétation de Der König Kandaules de Zemlinsky et Die Gezeichneten de Schreker, une prestation qui a été enregistrée sur DVD. Ses plus récents enregistrements sous étiquette Harmonia Mundi comptent des œuvres aussi diversifiées que la Messe de Bernstein, les Symphonies n° 3 et n° 6 de Bruckner, Christus am Ölberge de Beethoven, Mörike-Lieder de Wolf, la Symphonie n° 8 de Mahler et Die Jakobsleiter de Schoenberg. 

En 2003, Kent Nagano est devenu le premier directeur musical du Los Angeles Opera à avoir déjà occupé le poste de premier chef pendant deux ans. Le répertoire présenté allait d’une série d’opéras de Mozart, Idoménée, Don Juan et Les Noces de Figaro, à Der Rosenkavalier et Die Frau ohne Schatten de Strauss, Madame Butterfly et Tosca de Puccini, et Lohengrin et Parsifal de Wagner. Au cours des dernières saisons, M. Nagano a également dirigé Le Nez de Dmitri Chostakovitch et Turandot de Puccini au Deutsche Staatsoper Berlin, Le Coq d’or de Nikolai Rimski-Korsakov au Châtelet à Paris, Billy Budd de Benjamin Britten au Bayerische Staatsoper et Cardillac de Paul Hindemith à l’Opéra National de Paris, entre autres.Très prisé en tant que chef invité, Kent Nagano a dirigé presque tous les grands orchestres, notamment avec les Orchestres philharmoniques de Vienne et Berlin, le New York Philharmonic Orchestras et le Chicago Symphony Orchestra. 

Il a enregistré sous étiquettes Erato, Teldec, Pentatone et Deutsche Grammophon ainsi que sous étiquettes Harmonia Mundi, remportant des Grammy pour ses enregistrements du Doktor Faust de Busoni (avec l’Opéra National de Lyon) et de Pierre et le loup de Prokofiev (avec l’Orchestre national russe). Sophia Loren était la narratrice de Pierre et le loup et une nouvelle œuvre de Jean-Pascal Beintus, Wolf Tracks, était narrée par Bill Clinton et présentée par Mikhaïl Gorbatchev. 

Pour plus de renseignements sur Kent Nagano : 

http://www.kentnagano.com/

<< Revenir à la section académie

Richard Roberts est violon solo de l’Orchestre Symphonique de Montreal depuis 1982. Auparavant, il a été, pendant huit ans, assistant violon solo au Cleveland Orchestra sous la direction de Lorin Maazel. Elève de Josef Gingold ainsi que le grand maître du violon, Henryk Szeryng,

M. Roberts faisait ses débuts en tant que soliste à dix-sept ans avec le Minneapolis Symphony dans la Symphonie Espagnole de Lalo. Il s’est produit en récital, à titre de soliste et de chambriste au Canada, en Amérique du Sud, en Australie, en Europe et aux États-Unis, ainsi qu’avec plusieurs orchestres dont ceux du Minnesota, de Detroit, Cleveland, Mexique, Toronto, Melbourne (Australie), et plus de 65 fois avec L’OSM.

En 1987, il était membre du jury du Concours International de Musique de Montréal. En outre, il a enseigne à l’Université du Minnesota, au Cleveland Institute of Music, au Conservatoire de musique du Québec à Montréal et à l’Université McGill. Il a aussi donné des classes de maître, notamment à l’Université d’Indiana, au Los Angeles Philharmonic  Institute (UCLA), à l’Oberlin College, au Royal Conservatory of Music de Toronto, ainsi qu’à Banff, en Alberta et à l’université du Maryland. Il est éditeur pour Ovation Press aux États-Unis.

<< Revenir à la section académie

Nommé alto-solo de l'Orchestre symphonique de Montréal en 1990, Neal Gripp est reconnu pour son jeu sensible et intelligent d'un grand répertoire et a été qualifié de "vrai virtuose" par William Primrose.

Il a fait ses débuts lors d'un récital au Town Hall de New York et depuis, il a joué sur les scènes de Wigmore Hall à Londres, le Centre Culturel Canadien de Paris, l'Ambassade Canadienne à Washington D.C. et fréquemment en récitals à la radio dans son pays natal, le Canada. Ses prestations solo avec orchestre incluent des concerts au Alice Tully Hall et au Aspen Music Festival où il a reporté le Festival Viola Competition. Il a joué comme soliste avec Charles Dutoit, John Nelson, Gunther Herbig et Bramwell Tovey, avec les orchestres de Winnipeg et Ottawa ainsi que l'Orchestre symphonique de Montréal avec lequel il a enregistré   Harold en Italie   de Berlioz pour la télévision CBC. Il a également enregistré le   Concerto pour Alto et Orchestre   de Glen Buhr avec Bramwell Tovey et l'Orchestre symphonique de Winnipeg.

Neal Gripp a obtenu un doctorat du Julliard School of Music où il a étudié avec Lillian Fuchs, ayant aussi remporté le Julliard Viola Competition et le Joseph Machlis Prize qui reconnaît le plus haut niveau d'excellence dans toutes les disciplines. Il enseigne présentment à l'Université de Montréal et à l'Université d'Ottawa. En 2000, il a été directeur artistique d'une série de concerts semblables au Centre Canadien de l'Architecture.

<< Revenir à la section académie

Lambert Chen, altiste associé de l'OSM, est originaire de Taiwan où il a débuté ses études musicales. Il a été soliste invité de plusieurs ensembles, notamment avec I Musici de Montréal, Pro Musica, l’Orchestre Symphonique du New England Conservatory et l’Ensemble Contemporain de l’Université McGill.

À titre de chambriste, il est présentement l’altiste du Schulich String Quartet et de la Musica Camerata de Montréal et il a participé comme invité au Festival de Musique de Chambre de Montréal. Lambert a été lauréat du Prix de la Fondation Sylva Gerber et finaliste à la Primrose International Viola Competition.

Au cours de sa carrière, il a entre autres remporté des prix au Concours du New England Conservatory et au Concours de l’OSM Standard Life. Il a également reçu des bourses tels que le Golden Violin Award et le Max Stern Music Fellowship de l’Université McGill. Lambert détient un baccalauréat du Peabody Institute of John Hopkins University, une maîtrise du New England Conservatory of Music et un doctorat à la Schulich School de l’Université McGill, où il a étudié avec André Roy. Lambert a par la suite étudié avec Thomas Riebl à Salzbourg et Bruno Pasquier à Paris.

Il enseigne présentement l’alto et la musique de chambre à la Schulich School of Music de l’Université McGill.

<< Revenir à la section académie

Violoncelle solo de l’Orchestre symphonique de Montréal depuis 1999, Brian Manker a une carrière variée comme interprète et professeur. En plus de souvent jouer comme soliste avec l’OSM, il est membre du Nouveau Quatuor à cordes Orford et du Quatuor Adorno. En tant que membre du Quatuor à cordes Harrington, du Quatuor Cassatt et des Atlanta Chamber Players, il a joué à travers l’Amérique du Nord, en plus de participer à des concerts de musique de chambre avec bon nombre d’artistes distingués, dont Walter Trampler, Laurence Lesser, Gary Graffman, Lee Luvisi et Jean-Philippe Collard. Avec le Quatuor à cordes Harrington il a remporté le grand prix au Fischoff National Chamber Music Competition, en plus d’une mention très élogieuse de sir Yehudi Menuhin au Portsmouth International String Quartet Competition. Un ancien codirecteur du Festival Alexandria, M. Manker a joué dans les plus grands festivals de musique, spécialement ceux de Norfolk, Blossom, Chamber Music East, Roundtop, Swannanoa, et au Festival de musique de chambre d’Ottawa, en plus de présenter des classes de maître à Orford, au Domaine Forget, et à l’Académie internationale de musique présentée l’été à Canton en Chine.

Il a joué lors de diffusions à la radio, à la télévision et sur Internet sur les ondes de la CBC, WFMT Chicago, et WQXR New York. Il a enregistré les Suites pour violoncelle seul de Bach sous étiquette Storkclassics, ainsi que plusieurs disques de musique de chambre et bien sûr, avec l’OSM. En 2006, M. Manker était membre du jury du prestigieux concours international de violoncelle du Festival du Printemps de Prague. Brian Manker est actuellement membre de la faculté de musique à l’Université McGill. Il a aussi enseigné aux universités West Texas State et Emory. En 2007, il a lancé le Projet Beethoven, dont l’objectif est d’interpréter tous les quatuors à cordes de Beethoven sans leur contexte original, c'est-à-dire le salon privé. Dans le cadre de ce projet, M. Manker anime un blogue à http://bquartets.blogspot.com/ . Il jouit également d’une excellente réputation de duettiste avec le pianiste André Laplante. M. Manker joue sur un violoncelle signé Samuel Zygmuntowicz en 2005. 

<< Revenir à la section académie

Né dans la région de Philadelphie, Pennsylvanie, Ali Yazdanfar a commencé l’étude de la contrebasse à l’âge de 7 ans. Plus tard, il a fréquenté l’Université Johns Hopkins à Baltimore, où il a obtenu en 1996 un diplôme en Physiques avec le prix Kerr Memorial pour le meilleur élève en physique, la distinction Phi Beta Kappa, ainsi que le prix Louis Sudler pour son accomplissement artistique. Parallèlement à ses études en sciences, il a continué ses études de contrebasse avec Paul Johnson et participé aux différents ensembles du Peabody Conservatory. Après avoir gagné des postes avec les orchestres symphoniques de Houston et de Washington, D.C. (National), il s’est perfectionné avec Paul Ellison, Hal Robinson, et plus récemment, à Paris avec François Rabbath, où il a reçu les diplômes de soliste et professeur.

Présentement contrebasse solo de l’Orchestre symphonique de Montréal, Ali Yazdanfar a été lauréat de la International Society of Bassists Solo Competition en 2005, et il présente souvent des récitals aux États-Unis et au Canada. Il a été aussi, avec l’altiste Karine Rousseau, co-fondateur et co-directeur de l’Ensemble Ulysse, un groupe de musique de chambre en résidence à Georgetown Lutheran Church, à Washington, D.C.. Pendant l’été, il enseigne au Domaine Forget de Charlevoix et au National Orchestral Institute depuis plusieurs années, et en 2008 et 2009 il a été professeur invité au Bass Club en Angleterre. À Montréal, il est maintenant professeur de contrebasse a l’Université McGill, après avoir été pendant plusieurs années coordinateur du département de contrebasse à l’Université de Maryland.

<< Revenir à la section académie

Marianne Dugal est membre de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) depuis 10 ans. Elle occupe nouvellement le poste de 2e Concertmaster associé (leader de la première section des violons d’un orchestre symphonique). Native du Saguenay, Marianne Dugal étudie le violon et l’orgue aux conservatoires de Chicoutimi et de Montréal et remporte plusieurs concours au pays.

C’est à Boca Raton, en Floride, qu’elle complète ses études auprès de Sergiu Schwartz et y remporte le premier prix du National Society of Arts and Letters Violin Competition. Très active en tant que chambriste, ses concerts et récitals sont fréquemment diffusés sur les chaînes de Radio-Canada.

<< Revenir à la section académie

Denis Bluteau a complété ses études en musique au Conservatoire de musique de Chicoutimi, sous la direction de Monsieur Jean Morin, ainsi qu’à l’Université de Montréal, sous la direction de Monsieur Robert Langevin, où il a obtenu une Maîtrise en interprétation (flûte) en 1988.

Monsieur Bluteau a été successivement membre de l’Orchestre du Ballet national du Canada, à Toronto, de 1990 à 1991, et de l’Orchestre symphonique de Vancouver de 1991 à 1993.

Depuis 1993, il occupe le poste de flûte solo associé à l’Orchestre symphonique de Montréal, orchestre avec lequel il a participé à de nombreuses tournées internationales, en plus d’être membre de l’ensemble de musique de chambre Musicamerata Montréal.

Monsieur Bluteau a été soliste invité auprès de l’Orchestre symphonique de Sherbrooke et de la Société philharmonique de Montréal.

Monsieur Bluteau enseigne présentement à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, et à l’École de musique Schulich de l’Université McGill. Il enseigne également au Centre d’arts Orford, à l’Orchestre Nationale du Canada, en plus de participer chaque été à l’Académie Internationale du Domaine Forget pour le stage des bois.

<< Revenir à la section académie

Louise Pellerin mène une carrière internationale exceptionnelle à titre de soliste et de chambriste. Elle est l’invitée de grands festivals, tels ceux d’Athènes, Buenos Aires, Lucerne, Zürich, Salzburg, Vienne, Berlin, Munich, Londres, Paris, Rome, Singapore, Tokyo, New York, San Francisco, Montréal, Toronto.

Hautbois solo des ensembles Camerata Salzburg et Cappella Andrea Barca, Louise Pellerin joue aux côtés de Heinz Holliger, Andras Schiff, Erich Höbarth, Leonidas Kavakos, Radovan Vlatkovic, Denes Varjon, Jörg Widmann.

Après l’obtention de deux Premiers prix au Conservatoire de musique de Montréal, Mme Pellerin a étudié avec Heinz Holliger à Freiburg (Allemagne), où elle a obtenu le prestigieux Solistendiplom avec grande distinction. Boursière du Conseil des Arts du Canada, des Jeunesses Musicales et du Gouvernement du Québec, elle est aussi lauréate des concours de l’OSM, de La-Chaux-de-Fonds (Suisse) et de Belgrade (Serbie).

Passionnée d’enseignement elle est professeure à l’Université des Arts de Zürich et fait partie de l’Académie du Centre d’arts Orford. Elle donne des classes de maître au Canada, en France, en Allemagne, en Suisse, en Italie, au Vénézuela et est membre de jury de concours internationaux. Au cours de sa carrière, Louise Pellerin a été hautbois solo de l’Orchestre de la Radio de Cologne, de Camerata Bern, Camerata Zürich, Zürcher Kammerorchester, Collegium Novum, Festival Orchestra Budapest, Württembergisches Kammerorchester et Chamber Orchestra of Europe.

Au Québec, Louise Pellerin joue avec Dom André Laberge, Luc Beauséjour, Olivier Godin, Robert Langevin, Jean François Rivest, Jacques Lacombe, Quatuor Alcan, I Musici de Montréal, l’Orchestre Symphonique de Montréal, Les Violons du Roy. On trouve ses enregistrements chez Atma, Decca, Denon, DGG, Novalis, Philips, Radio-Canada, WDR et Art e. 

<< Revenir à la section académie

Theodore Baskin, en plus d’être hautbois solo de l’Orchestre Symphonique de Montréal, s’est produit comme soliste dans plusieurs pays du monde comme le Canada, les Etats-Unis, le Japon, la France, la Russie, l’Argentine et la Nouvelle-Zélande. Ses performances sont nombreuses et variées, notamment deux premières mondiales ainsi que l’enregistrement pour Radio Moscow du Concerto pour hautbois et harpe de Schnittke avec l’Orchestre de Chambre de Moscow. Monsieur Baskin a également enregistré quatre concertos de Vivaldi pour la compagnie de disques Chandos.

Theodore Baskin s’est produit dans le cadre de plusieurs séries de concerts, notamment le Mostly Mozart Festival avec le Chamber Music Society of Lincoln Center, le Marlboro Music Festival, le Bay Chamber Concerts in Maine, le Grand Teton Festival in Wyoming et le Festival de musique d’Orford. Il se produit régulièrement pour la CBC Radio dans le cadre du Art National Program.

Monsieur Baskin a étudié à Juilliard et est diplômé en musique de Curtis, en plus de s’être mérité un «Master of music» de l’Université d’Auckland pour son analyse de cinq cantates de Bach. Alors qu’il était professeur de musique à la Indiana University School of Music où il était en charge de la classe de hautbois, il y a donné des leçons, des «master classes», des cours de préparation aux auditions d’orchestre, des cours de musique de chambre et a accompagné des étudiants pour leur thèse de doctorat. Il a également enseigné au Festival Orford et au Domaine Forget. Monsieur Baskin est présentement Professeur Associé de hautbois à l’Université McGill.

<< Revenir à la section académie

André Moisan est réputé pour sa maîtrise de l'instrument, sa grande musicalité et la clarté de son jeu. Depuis 1977, on peut l'entendre régulièrement en concert et à la radio, tant comme soliste que comme chambriste. Ses nombreux concerts à l'étranger, notamment au Carnegie Hall, au Royal Concertgebouw et à Radio-Berlin, lui ont valu de se hisser parmi les interprètes de premier plan. Il a eu le privilège de jouer sous la direction de chefs réputés, surtout avec l'Orchestre symphonique de Montréal. Il faisait d'ailleurs ses débuts avec cet orchestre en 1977 sous la direction d’Andrew Davis et, en 1997, il fut soliste sous la baguette de Charles Dutoit. Il occupe, au sein de l’OSM, le pupitre de saxophone solo et de clarinette basse depuis mai 1999.

Membre de la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ) depuis 1977, il a aussi fait partie du Nouvel Ensemble Moderne (le NEM) de 1989 à 1996. Au cours de sa carrière, André Moisan a reçu de nombreux prix et il a été mis en nomination à quatre reprises pour le prix Opus comme soliste, chambriste et chef d’orchestre. Animateur et pédagogue accompli, il dirige, à l’OSM, des concerts de la série Matinées Jeunesse depuis 1998, ainsi que des concerts de la série Jeux d'enfants. Finaliste à plusieurs reprises, il a remporté le prix Opus du « Concert famille » de l’année 2003 pour un concert de cette série et il est finaliste à nouveau à titre de chef d’orchestre avec l’OSM en 2007. André Moisan dirige régulièrement au Canada et à l’étranger.

D’ailleurs, au cours de la saison 2008-09 qui marque ses 30 ans de carrière professionnelle, on le retrouve au pupitre de l’Orchestre symphonique de Montréal et de Québec.

Professeur agrégé, à l'Université de Montréal, il a aussi été, à plusieurs reprises, professeur de clarinette, soliste et répétiteur à l’Orchestre Mondial des Jeunesses Musicales du Canada ainsi qu’au Festival international de Sapporo, au Japon. L'année 1996 marque l'enregistrement de son premier disque solo, Impressions de France, et depuis, il a enregistré 6 autres disques sous étiquette ATMA, tous classés « enregistrement de référence » par la critique internationale.

André Moisan a commencé l'étude de la clarinette avec son père, clarinettiste à l'Orchestre symphonique de Montréal de 1952 à 1998. Il s’est ensuite perfectionné auprès de Robert Crowley, également soliste à l'OSM, puis à Chicago avec Larry Combs, soliste de l'OSC, et finalement à Berlin avec Karl Leiste

Monsieur Baskin a étudié à Juilliard et est diplômé en musique de Curtis, en plus de s’être mérité un «Master of music» de l’Université d’Auckland pour son analyse de cinq cantates de Bach. Alors qu’il était professeur de musique à la Indiana University School of Music où il était en charge de la classe de hautbois, il y a donné des leçons, des «master classes», des cours de préparation aux auditions d’orchestre, des cours de musique de chambre et a accompagné des étudiants pour leur thèse de doctorat. Il a également enseigné au Festival Orford et au Domaine Forget. Monsieur Baskin est présentement Professeur Associé de hautbois à l’Université McGill.

<< Revenir à la section académie

Robert Crowley est clarinette solo de l'OSM et également Professeur à l'Université McGill. Il s'est produit à plusieurs reprises comme soliste avec l'OSM, et on a pu l'entendre lors de nombreux concerts radiodiffusés sur Radio-Canada, notamment au sein des Chambristes de Montréal et de l'ensemble Premières Chaises.

Il fut également clarinette solo de l'Orchestre Symphonique de Oklahoma City et du Philharmonique de Hamilton, en Ontario. Robert Crowley est diplômé du Eastman School of Music où il étudia avec Stanley Hasty, et il étudia également avec Robert Marcellus au Cleveland Institute of Music.

<< Revenir à la section académie

Né à Montréal, Stéphane Lévesque est basson solo à l’Orchestre symphonique de Montréal depuis septembre 1998. Il fut également basson solo de l'Orchestre du Centre National des Arts, de l'Orchestre philharmonique de Buffalo, et de l'Orchestre Saito Kinen, au Japon. M. Lévesque s'est produit à titre de soliste à plusieurs reprises avec l'OSM, ainsi qu'avec des ensembles tels l’Orchestre symphonique de Québec, le New World Symphony, Les Violons du Roy, et le U.S. Army Orchestra.

Professeur à l'École de musique Schulich de l'Université McGill, M. Lévesque a donné des classes de maître partout dans le monde, notamment au Banff Centre, au Curtis Institute, à l'École nationale de musique du Méxique (UNAM), et au Conservatoire National Supérieur de Lyon. Diplômé du Conservatoire de musique de Montréal et de l'Université Yale, Stéphane Lévesque a étudié avec Rodolfo Masella, Stephen Maxym et Frank Morelli.

<< Revenir à la section académie

Trompette solo à l’Orchestre symphonique de Montréal depuis 1995, Paul Merkelo a auparavant occupé le même poste au Rochester Philharmonic Orchestra et au New Orleans Symphony. Il s’est également produit avec le New York Philharmonic et le Pittsburg Symphony.

À titre de soloiste, il a été invité par de nombreux orchestres : Orchestre du Centre national des Arts d’Ottawa, Orchestre symphonique de Montreal, McGill University Chamber Orchestra, I Musici de Montréal, Les Violons du Roy de Québec, Rochester Philharmonic, New Orleans Symphony et Eastman Wind Ensemble. Il a en outre été choisi comme ambassadeur musical du Canada en Chine où il s’est produit avec le Shanghai Broadcast Orchestra.

Deux concertos pour trompette ont été écrit spécialement pour lui par les compositeurs David Liptak, directeur de la Eastman School Faculty of Music, et Rudolf Haken, de l’Université de l’Illinois. Pour ses débuts new-yorkais en 1998, Paul Merkelo s’est produit au Lincoln Center avec le New World Symphony Orchestra, sous la direction de Michael Tilson Thomas.

Intitulé   A Simple Song , son premier disque solo enregistré sous étiquette Amberola s’est retrouvé en janvier 2000 en tête du palmarès de musique classique au Québec. Son deuxième enregistrement, fait en 2004 et intitulé   Baroque Transcriptions , a été sélectionné par l’ADISQ dans la catégorie album de l’année – classique/soliste et petit ensemble.

Paul Merkelo enseigne actuellement à la Faculté de musique de l’Université McGill. Dans le but d’aider financièrement des jeunes musiciens qui désirent faire symphonique de Montréal, la Bourse d’études Paul Merkelo s’addresse à tous les concurrents du Concours OSM

<< Revenir à la section académie

James Box occupe la chaise de Premier trombone de l’Orchestre symphonique de Montréal depuis 2001. Avant cette nomination, il fut Premier trombone du Canton Symphony Orchestra en Ohio, du Wheeling Symphony Orchestra en Virginie de l’Ouest, du Mississipi Symphony Orchestra et du Orquesta Sinfónica de Nuevo Leon au Mexique.

Monsieur Box occupe présentement le poste d’assistant professeur de trombone à l’Université McGill depuis 2003. Il est également membres des facultés du National Orchestral Institute aux Etats-Unis, du Centre d’arts Orford au Québec, et des facultés de trombone de l’University of Akron et du Sewanee Summer Music Centre. En 2006, James Box fut conférencier invité à la North Carolina Scholl of the Arts.

Natif de Ripley au Tennesse, James Box a étudié le trombone avec son père et son grand-père. Il a obtenu son Baccalauréat avec grande distinction (magna cum laude) de la Southern Methodist University, et une Maîtrise de la Cleveland Institute of Music. Il a étudié avec plusieurs professeurs de renom, notamment avec John Kitzman, James DeSano et Steve Witser.

James Box a fait plusieurs apparitions à titre de soliste avec l’Orchestre symphonique de Montréal, le McGill Wind Symphony, le Vermont Youth Orchestra, le Sewanee Summer Music Festival Orchestra et l’Eastern Music Festival Orchestra. Il a également joué à titre de soliste et chambriste à maintes reprises au Festival International de musique de chambre d’Ottawa. En 2001, il a présenté un récital en solo qui fut diffusé dans tout le pays sur le réseau de la CBC/Radio-Canada

<< Revenir à la section académie

John Zirbel est cor solo de l’Orchestre symphonique de Montréal depuis 1979. Ce natif de Janesville au Wisconsin a commencé les études de cor à l’âge de neuf ans avec John Iltis, le directeur de l'harmonie locale. Il a obtenu son diplôme de l’université du Wisconsin, où il étudié sous John Barrows et Douglas Hill.

Avant de grossir les rangs de l’OSM, M. Zirbel a joué pendant deux ans avec le Denver Symphony. Au fil de sa carrière, il a souvent été cor colo invité par de nombreuses formations, notamment les orchestres symphoniques de Toronto, Milwaukee, St. Louis, Cincinnati, San Francisco, le St. Paul Chamber Orchestra et l’Orchestre symphonique de la NHK au Japon. Chaque été depuis l’an 2000, il occupe le poste de second cor avec l’Aspen Festival Orchestra.

Comme soliste, M. Zirbel a été lauréat au Grand Concours international de cor à Liège en 1981, et il a interprété tous les principaux concertos de cor avec les orchestres de Montréal et de San Francisco. En 2001, il a créé la Sérénade héroïque, un concerto pour cor composé spécialement pour lui par le compositeur québécois Jacques Hétu.

M. Zirbel apprécie ses activités d’enseignement et de mentorat auprès des jeunes cornistes talentueux à l’Aspen Music Festival ainsi qu’à l’école de musique Schulich de l’Université McGill, où il est professeur agrégé. Ses anciens élèves font aujourd’hui partie d’orchestres partout au Canada. 

<< Revenir à la section académie

Andrei Malashenko entreprend sa carrière professionnelle en 1991 lorsqu’il remporte les auditions pour le poste de timbalier solo avec le New Zealand Symphony Orchestra. Il joue alors aussi avec le New Zealand Chamber Ensemble, le New Zealand Percussion Ensemble, en plus d’enseigner les percussions à l’université de Victoria à Wellington.

En 1995, M. Malashenko revient à Montréal où il travaillera pendant plusieurs années comme surnuméraire orchestral, notamment avec l’Orchestre symphonique de Montréal, l’Orchestre de chambre McGill et I Musici de Montréal.

En 1999, Andrei Malashenko remporte les auditions comme timbalier solo de l’OSM, poste qu’il occupe depuis lors. Il enseigne également les percussions et est le directeur de l’ensemble de percussion de l’Université McGill à Montréal. 

<< Revenir à la section académie

Jennifer Swartz mène parallèlement une carrière très active comme soliste, chambriste, musicienne d'orchestre et professeur. Elle a fait ses débuts en tant que soliste dès l'âge de seize ans avec l'Orchestre symphonique de Toronto. Depuis, Mme Swartz s'est produite avec l'Orchestre du Centre National des Arts, Orchestra London, les orchestres symphoniques de Régina et de Saskatoon de même qu'avec I Musici de Montréal, l'Orchestre des Grands Ballets Canadiens et l'Orchestre symphonique de Montréal.

Mme Swartz se produit régulièrement en récital et comme chambriste à travers le Canada. Elle est l'invitée de nombreux festivals et peut être entendue fréquemment sur les ondes de Radio-Canada. Parmi ses enregistrements sur disque, on la retrouve sur CBC Radio Christmas Sing In et Allegra, parus chez Atma Classique.

Jennifer Swartz a été harpe-solo à l'Orchestre philharmonique de Calgary avant d'occuper ce même poste à l'Orchestre symphonique de Montréal. Elle est maintenant directrice des études de harpe à l'Université McGill.

<< Revenir à la section académie

Ces dernières saisons, Frédéricka Petit-Homme a eu le privilège de tenir le rôle de Vitellia dans la clémence de Titus au Summer Opera Lyric Theatre sous la direction artistique de Guillermo Silva-Marin. Elle a participé au Requiem de Mozart et la Messe de Lord Nelson de Haydn avec l’Orchestre de Chambre de McGill sous la direction de Boris Brott. Nous l’avons aussi entendu dans le rôle d’Ilia (Idomeneo) dans l’atelier d’opéra du Schulich School of Music. Elle a également tenu le rôle du troisième témoin dans l’opér’installation L’Archange, une création de Chants Libres en 2004 et 2008.

Mlle Petit-Homme a completé sa Maitrîse en direction sous la tutelle de Robert Ingari et Dr. Julian
Wachner à l’Université McGill en 2004.

Elle a pu participer à plusieurs classes de maîtres en direction, notamment à Chorus America en 2003 
et au Festival International de Bach à l’Université de Toronto avec Helmuth Rilling en 2005.

Elle a assisté Maestro Jean-François Rivest à l’Orchestre symphonique de Laval pendant deux saisons où elle a préparé le chœur de l’orchestre et s’est produite en concert avec de nombreux artistes canadiens tel que Natalie Choquette, Laurence Jalbert, Guy Marchand, et Dan Taylor.

Tout recemment Fredericka a dirigé les choeurs sur l'album "Il Tempo" du chanteur québécois Michaël, "Aeterna Celesta", et "Terra Mia" de Natalie Choquette.

Elle dirige présentement un choeur féminin à Montréal: Harmonia Westmount Women's Choir .

<< Revenir à la section académie

Originaire de Vienne, Jutta Puchhammer-Sédillot est acclamée par les critiques comme une altiste de qualité exceptionnelle et ce, depuis son arrivée au Québec en 1987.
 
Mme Puchhammer-Sédillot est diplômée avec mention « Excellence » de la prestigieuse Vienna Hochschule für Music et de la Eastman School of Music où elle s’est perfectionnée auprès de Heidi Castleman.
 
 Membre du Vienna Nonett et de l’Orchestre de la radio autrichienne de 1980 à 1985, elle a effectué des tournées au Japon et dans les principales capitales européennes. Mme Puchhammer-Sédillot est professeure d’alto et responsable de la musique de chambre pour cordes à  la Faculté de musique de l’Université de Montréal.
 
Membre fondatrice du Trio à cordes de Montréal, du Trio Kegelstatt et du Quatuor Claudel, elle est aussi alto solo  à l’Orchestre symphonique de Laval. Comme chambriste, elle a enregistré sous étiquettes Ummus et Analekta; comme soliste, son premier disque,  consacré à des fantaisies romantiques allemandes (2001). Son deuxième, consacré à des Sonates Allemandes du début du 20ième siècle (2006) est sous les étiquettes Elektra et Fidelio.

Elle est régulièrement invitée à  des congrès  d’alto internationaux, tenus à travers  le monde,  où elle présente les résultats de ses recherches de partitions datant d’autour du début du 20e siècle.
 
Mme Puchhammer-Sédillot  a su se forger une réputation comme pédagogue,  en forte demande autant aux Etats-Unis, à la Juilliard School of Music et pour le Perlman Music Program, qu’en Europe et en Amérique du Sud.

En juin 2006, elle présidait avec énorme succès le 34e Congrès international d’alto organisé par elle à Montréal. Son dévouement au sein de la communauté international d’alto lui a valu le Prix d’excellence  «Maurice Raley Award » pour sa contribution internationale.

<< Revenir à la section académie

En septembre 1999, Jeffrey Irvine devient membre de la faculté au Cleveland Institute of Music comme professeur d’alto Fynette H. Kulas. De 1983 à 1999, il a enseigné l’alto à l’Oberlin Conservatory of Music, où il a occupé la chaire de la section des cordes de 1992 à 1999. Ses étudiants occupent maintenant d’importants postes au sein d’institutions d’enseignement, d’orchestres et d’ensembles de musique de chambre aux États-Unis et à l’étranger, et ont souvent gagné de premiers prix lors d’importants concours d’alto, notamment le Primrose Competition, l’ASTA National Solo Competition, et le Washington International Competition. M. Irvine donne des classes de maître dans les grandes écoles de musique des États-Unis, et en 1985, il a été invité à présenter des classes de maître à Beijing et Shanghaï par la République populaire de Chine. M. Irvine avait précédemment enseigné à la Wichita State University et l’Eastman School of Music. Pendant l’été M. Irvine est membre de la faculté au Heifetz International Music Festival et à l’Aspen Music Festival. Ancien membre du New World String Quartet, il a reçu son baccalauréat en musique de la Philadelphia Musical Academy et sa maîtrise de l’Eastman School of Music. Il a étudié notamment avec Heidi Castleman, Dorothy DeLay, Martha Katz, William Primrose, Margaret Randall, et Karen Tuttle. Il est marié à l’altiste Lynne Ramsey avec laquelle il a eu deux enfants : Hannah et Christopher. Il joue sur un alto fait par Hiroshi Iizuka en 1993.

<< Revenir à la section académie

Laurence Lesser a été lauréat de la Tchaikovski Competition de Moscou en 1966 et il fut également un des participants aux concerts et aux enregistrements historiques de Heifetz-Piatigorsky. M. Lesser a été soliste pour le Boston Symphony Orchestra, le London Philharmonic, le New Japan Philharmonic et de nombreux autres orchestres à travers le monde. Il a collaboré avec plusieurs chefs d’orchestre tels qu’Ozawa, Metha, Rostropovich et Tilson Thomas. Il fut le premier à enregistrer le Concerto pour violoncelle de Schoenberg et, en 1966, il fut également le premier à le jouer avec orchestre depuis son introduction par Emanuel Feuermann en 1936.

À titre de chambriste, il a participé aux festivals de Casals, Marlboro, Spoleto, Santa Fe et demeure depuis plusieurs années, un invité régulier de la Chamber Music Society du Lincoln Center à New York. Il est aussi fréquemment invité à titre de membre du jury dans diverses compétitions internationales dont la Tchaikovsky Competition à Moscou en 1994 et en 2007.

Laurence Lesser a étudié les mathématiques au Harvard College où il a gradué avec honneur. Au terme de sa première année d’études en Allemagne en tant que boursier Fulbright, il a remporté le Premier Prix à la Cassadò Competition à Sienne en Italie. Lors d’une classe de maître qu’il a suivie avec Casals à Zermatt en 1961, le grand maître a dit de Lesser : Merci à Dieu de vous avoir donné ce grand talent ! Son premier concert à New York en 1969 fut qualifié de « triomphant ».

Au cours d’une vie remplie de succès, Laurence Lesser a toujours été un professeur passionné. Il est venu enseigner au New England Conservatory à Boston en 1972 après avoir été l’assistant du professeur Gregor Piatigorsky à la University of Southern California à Los Angeles. Il a passé quatre années au Peabody Institute de Baltimore. Il a été président du New England Conservatory de 1983 à 1996. Laurence Lesser joue d’un violoncelle fabriqué en 1622 à Cremona en Italie par les frères Amati.

En 2005, Laurence Lesser fut nommé « Chevalier du Violoncelle » par le Eva Janzer Memorial Cello Center à l’université d’Indiana pour ses réalisations et sa contribution au monde du violoncelle.

En 2010, monsieur Lesser et la pianiste Hae-Sun Paik ont terminé l'enregistrement de l'oeuvre complète pour violoncelle et piano de Beethoven sous étiquette Bridge Records. Cet enregistrement fut acclamé de toutes parts par les critiques. La revue Strad a mentionné que le « jeu est vibrant de vie ... la combinaison gagante entre la fraicheur et l'affection est conçue sur mesure pour la sonate op. 69, par contre la plus grande révélation est sans contredit les deux sonates de l'opus 121 ...»

Laurence Lesser est Président Émérite de la Walter W. Naumburg Chair of Music. 

<< Revenir à la section académie

Violoncelliste considéré comme l’un des musiciens français les plus accomplis de sa génération, Michel Strauss s’est formé en France et aux Etats-Unis. Titulaire de la classe de violoncelle au Conservatoire National Supérieur de Paris depuis 1987, il forme à son tour une importante génération de musiciens et organise de nombreuses manifestations et classes de maître aux États-Unis et en Asie, mais également en France et en Normandie, qui visent à récompenser la diffusion de jeunes interprètes.

Premier violoncelle solo du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France en 1980, il se produit aussi avec de nombreux orchestres tant en France qu’à l’étranger et est le créateur de plusieurs concertos qui lui sont dédiés.  En musique de chambre, il a été le partenaire de nombreux artistes dont Henriette Puig-Roget, Tibor Varga, Georges Pludermacher, Gérad Jarry, Aldo Parisot, Serge Collot, Jean-Claude Pennetier, Gérard Caussé, Bruno Pasquier et le légendaire Sandor Vegh.

Michel Strauss s’est produit dans la plupart des festivals français et sur les plus grandes scènes à l’étranger. Michel Strauss est le directeur musical du festival Musique de chambre à Giverny depuis sa création. 

<< Revenir à la section académie

Le célèbre magazine britannique  Double Bassist  a écrit de Joel Quarrington: " Sa prestation fut envoûtante; son interprétation de l'Élégie de Bottesini, empreinte d'un jeu bel canto qui le distingue, nous a transporté dans un autre monde... il joua avec une articulation impeccable, une riche palette sonore, un contrôle absolu et une clarté limpide. Une soirée mémorable..." De telles critiques ont confirmé la réputation de l'un des meilleurs contrebassistes de nos jours.

Gagnant du Concours international de Genève, Joel a joué durant plusieurs années comme premier contrebassiste de nombreux ensembles, tels le  Canadian Opera Company, le  Toronto Symphony Orchestra, l'Orchestre du Centre national des arts  d'Ottawa et plus récemment, au sein du célèbre  London Symphony Orchestra.

En 2010, Joel Quarrington a gagné le Prix Juno pour le meilleur enregistrement de musique classique, pour son disque solo intitulé "Garden Scene", paru sous étiquette Analekta. 

<< Revenir à la section académie

L’altiste Eric Nowlin a joué très souvent à travers les États-Unis ainsi qu’à l’étranger. Parmi ses prix et distinctions, mentionnons un deuxième prix au Walter W. Naumburg Competition en 2006, un premier prix à l’Irving Klein International String Competition en 2003, un premier prix au Hellam Young Artists Competition en 2002, le grand prix au Naftzger Young Artists Competition en 2001, et le lauréat du Juilliard Viola Concerto Competition cette même année, ce qui l’a mené à interpréter le Konzertmusik de Paul Hindemith avec le Juilliard Orchestra à l’Alice Tully Hall sous la direction de Roberto Minczuk. Il a été invité à jouer avec le Springfield Symphony au Missouri, les Santa Cruz Symphony, Peninsula Symphony, et Kumamoto Symphony au Japon, ainsi qu’en récital à New York, Chicago, San Francisco et Mexico.

M. Nowlin est actuellement alto solo associé du Toronto Symphony Orchestra, et l’altiste du Nouveau Quatuor à cordes Orford. Il compte parmi ses autres collaborations en musique de chambre les festivals comme le Marlboro Music Festival au Vermont et le Steans Institute for Young Artists à Ravinia. Il est membre des Jupiter Chamber Players à New York, et a également tourné avec Musicians from Marlboro et Musicians from Ravinia’s Steans Institute. Avant de rallier les rangs du Toronto Symphony Orchestra, il a joué sur une base régulière comme surnuméraire dans la section des altos du New York Philharmonic de 2005 à 2008.

M. Nowlin a été choisi comme récipiendaire de la Rachel Elizabeth Barton Foundation Grant en 2004, prix destiné à promouvoir les carrières d’interprètes des jeunes artistes. Il est actuellement membre de la faculté au Royal Conservatory of Music de Toronto dans leur Young Artist’s Performance Academy, en plus d’enseigner l’alto à l’université de Toronto. M. Nowlin a reçu son baccalauréat et sa maîtrise de la Juilliard School, où il a étudié grâce à une bourse de Samuel Rhodes.  

<< Revenir à la section académie

Rebecca Albers a joué en Amérique du Nord, en Europe de l’Ouest et en Asie. Ses prestations ont été vues sur les grands réseaux nationaux de télévision aux États-Unis et en Chine, et ont pu être entendues à la National Public Radio et sur Radio France.

Rebecca Albers habite présentement à Ann Arbor au Michigan et occupe un poste à la faculté d’alto de l’université du Michigan, ainsi que le poste d’assistante alto solo du Minnesota Orchestra en plus d’être membre du Phoenix Quartet. Elle se produit aussi en tournée avec l’Albers Trio composé des trois sœurs Albers, soit Laura, Julie et Rebecca Albers, ainsi que du violoniste Mark O’Connor de l’Appalachian Waltz Trio.

Rebecca Albers détient un baccalauréat et une maîtrise en musique de la Juilliard School où elle a fait ses études et a été professeure-adjointe d’Heidi Castleman et d’Hsin-Yun Huang. De 2005 à 2008, en collaboration avec Heidi Castleman, elle a enseigné à la division pré-collégiale de la Juilliard School.

Elle a fait ses débuts en solo à New York avec le Juilliard Orchestra au Alice Tully Hall, présentant la première new-yorkaise du Concerto pour alto et orchestre de Samuel Adler. Elle a fait ses débuts européens à l’Auditorium du Musée du Louvre à Paris en France.

Mme Albers revient enseigner à l’académie du Centre d’arts Orford pour une quatrième fois à l’été 2009. 

<< Revenir à la section académie

Présentement professeur d’alto à la Juilliard School of Music, Heidi Castleman a enseigné au Cleveland Institute of Music, à l’Eastman School of Music, au New England Conservatory, au SUNY Purchase, à Rice University et à la Philadelphia Music Academy.

De 1972 à 1976, elle a été membre du New York String Sextet. Elle a aussi été artiste invitée de plusieurs ensembles tels que les Cleveland, Audubon, Lydian et Cavani Quartets. Tout récemment, elle a donné plusieurs classes de maître et démonstrations à la Hochschule für Musik à Vienne, au Mozarteum à Salzbourg, au Shanghai Conservatory, au Great Mountains Music Festival en Corée du Sud ainsi qu’à Montréal, Chicago, Dallas, Interlochen et Boulder.

Pendant les mois d’été, madame Castleman a enseigné et joué à l’Aspen Music Festival, au Sarasota Music Festival, à l’Eastern Music Festival, au Banff Centre et au Blossom Music Festival.

Depuis 2001, elle travaille avec des étudiants âgés entre 12 et 18 ans dans le cadre du Perlman Music Program à leur école d’été à Shelter Island, et depuis 2005, à leur résidence d’hiver à Sarasota en Floride. Elle enseigne également au Heifetz Institute et offre aussi un stage intensif d’une semaine au Centre d’arts Orford en collaboration avec le North American Viola Institute. 

<< Revenir à la section académie

David Holland a débuté sa formation musicale avec son père à Toledo en Ohio. Il a ensuite étudié à l’Indiana University School of Music et à l’Ohio University School of Music. Il est également membre fondateur de l’Aurora Quintet et a joué avec les quintets à cordes New World, Stradivari et Interlochen.

Alors qu’il était altiste résident, coordonnateur du programme de musique de chambre et chef de l’orchestre de cordes à l’Interlochen Center for the Arts, David Holland était aussi professeur invité à l’Université d’Iowa, à l’Université de l’Ohio, au South Dakota State University, à l’University du Michigan, à la Cleveland Institute of Music et à l’Eastman School of Music

Il a occupé plusieurs postes dans les camps d’été de l’University of Wisconsin-Superior, l’Iowa University, la Louisiana State University, l’Ithaca College et la Southern Methodist University. Il est présentement membre de la faculté du Quartet Program de la Bucknell University à Lewisberg en Pennsylvanie.

David Holland enseigne à l’Interlochen Center for the Arts depuis 1973, et sera de retour au Centre d’arts Orford pour une cinquième année.  

<< Revenir à la section académie

Daniel Sweaney a commencé sa carrière musicale à l’âge de onze ans et a reçu une formation très diversifiées aux États-Unis et en Europe. Il a étudié à l’Interlochen Arts Academy, au Cleveland Institute of Music, à la Rice University, à l’Universität Mozarteum de Salzbourg, et à l’University of Colorado à Boulder. Ses principaux professeurs furent Heidi Castleman, Thomas Riebl, Martha Strongin-Katz et Erika Eckert.

Il a joué partout à travers le monde et remporté de nombreux prix dont le Fishoff National Chamber Music Competition, le Down Beat Magazine Chamber Music Competition, fut récipiendaire à deux reprises du Fine Arts Award de l’Interlochen Arts Academy pour son exécution remarquable à l’alto, et a reçu la bourse Frank Huntington Beebe.

Daniel Sweaney a fait ses débuts new-yorkais en 1999 au Avery Fisher Hall lors du Mostly Mozart Festival, jouant avec le violoniste de réputation internationale Itzhak Perlman. La revue String lui a décerné ces quelques ligne : « extrêmement talentueux et compétent… posé et accompli… ». Il a collaboré avec, entre autre, Itzhak Perlman, Ron Leonard, Merry Peckman et Peter Sellers.

Alors qu’il habitait en Australie, il a fréquemment joué pour le Camerata Salzburg sous la direction de Sir Roger Norrington, Leonidas Kavakos, Walter Weller, Heinrich Schiff et Anne Sophie Mutter. Il a récemment joué au Salzburg Festival, au Vienna Konzerthaus and Musikverein, au KKL Luzern, au Singapore Arts Festival, dans le cadre de la série The Best of the Nordrhein-Westfalen, à The Beethoven House à Bonn, au Lincoln’s Center dans la série Great Peformers, au Carnegie Hall, au Kennedy Center et au Orchestra Hall de Chicago. En 2007, Daniel Sweaney a participé à une diffusion en direct sur la radio ouest-allemande avec le Signum String Quartet.

Daniel Sweaney est présentement professeur-adjoint d’alto à l’University of Alabama et sera de retour au Centre d’arts Orford pour une quatrième année.

<< Revenir à la section académie

Yi-Fang Huang, native de Taiwan, a reçu son baccalauréat et sa maîtrise en musique en interprétation de piano de la Juilliard School comme élève de Martin Canin, puis son doctorat en arts musicaux en interprétation de piano sous Susan Starr à l’université Rutgers. Comme soliste, chambriste et accompagnatrice, Mme Huang a joué dans diverses salles renommées telles les Walt Disney Concert Hall, Alice Tully Hall, Weill Recital Hall à Carnegie Hall, Merkin Hall, les musées du Louvre et de Grenoble, et la Salle nationale de concerts à Taiwan, en plus de collaborer avec Elmar Oliveira, Cynthia Phelps, Fred Sherry, Wu Han, Ransom Wilson, Tara Helen O'Connor, Sherry Sylar, et David Bilger. Elle s’est également produite au Festival OK Mozart, à l’International Viola Congress, et au New York Philharmonic: Insights Series, à l’Interlochen Viola Institute, les Great Mountains Festival, Sarasota Music Festival, Bowdoin Summer Music Festival et à la Music Academy of the West. Elle a créé les œuvres des compositeurs contemporains Somei Sato, Stuart Smith et Alessandro Solbiati. En 2008, Mme Huang a été à la fois conférencière et pianiste accompagnatrice à l’International Viola Congress, et elle a de plus travaillé avec les lauréats des William Primrose Viola Competition, Lionel Tertis Viola Competition, ainsi que du Concours d’alto de Munich, et avec des musiciens du New York Philharmonic et du Philadelphia Orchestra. Elle agit à titre de pianiste et de coach dans le cadre du Perlman Music Program et au North American Viola Institute; elle assiste le travail de Heidi Castleman auprès des jeunes altistes dans la division précollégiale à Juilliard, et elle a récemment enregistré « The Two Rhapsodies » de Loeffler avec l’altiste Cynthia Phelps et la hautboïste Sherry Sylar. À la radio elle a participé aux émissions de Radio France, WWFM 89.1, The Classical Network et Public Radio Tulsa. Elle demeure recherchée comme pianiste et coach à la Juilliard School, où elle œuvre principalement dans les studios de Heidi Castleman, Misha Amory, Hsin-Yun Huang et Steven Tenenbom. Également altiste, Mme Huang poursuit actuellement ses études auprès de Heidi Castleman et Steven Tenenbom.

<< Revenir à la section académie

Mathieu Dufour est première flûte au Chicago Symphony Orchestra depuis 1999. Avant de s’installer à Chicago, il était première flûte solo à l’Orchestre de l’Opéra National de Paris entre 1996 et 1999. Avant cette nomination, il fut première flûte solo à l’Orchestre National du Capitole de Toulouse pendant trois ans.

Monsieur Dufour a commencé ses études à l’âge de 8 ans avec Madeleine Chassang au Conservatoire National de Région de Paris, sa ville natale. À l’âge de 14 ans, il a reçu la médaille d’or de son école par un vote unanime du jury. Il a ensuite étudié avec Maxence Larrieu au Conservatoire National de musique de Lyon où il a reçu, à l’unanimité, le premier prix de 1993. Plusieurs autres récompenses lui ont été attribuées dont le deuxième prix du Concours de flûte Jean-Pierre Rampal en 1990, le troisième prix à l’International Flute Competition de Budapest en 1991 et le deuxième prix à l’International Flute Competition à Kobe au Japon en 1997.

Mathieu Dufour est souvent appelé à jouer en solo lors de plusieurs récitals et concerts à l’international. Il a fait ses débuts à titre de soliste au Carnegie Hall et au Festival de Lucerne avec le Chicago Symphony Orchestra sous la baguette de Daniel Barenboim en 2002. Il a également joué avec différents chefs tels que Pierre Boulez et Christophe Eschenbach.

Il est très en demande dans le monde de l’enseignement à titre de professeur et de coach. Il présente des classes de maître au Canada, au Japon, en Europe et aux États-Unis. En tant que membre des fondations Georges Cziffa et Juventus, Mathieu Dufour a présenté plusieurs recitals et concerts avec le Young European Soloists Ensemble. Il est également membre du Chicago Chamber Musicians et il est attaché à la faculté de musique de la De Paul University de Chicago.

La discographie de Mathieu Dufour inclut des sorties récentes des sonates de Prokofiev, Martinu et Hindemith, l’œuvre complète de musique de chambre de Poulenc et l’œuvre complète pour flûte de Roussel.

<< Revenir à la section académie

Soliste et chambriste louangé, le flûtiste québécois Robert Langevin occupe le poste de flûte solo au sein du Philharmonique de New York, dirigé par Alan Gilbert.

Récipiendaire du Prix d'Europe en 1976, il deviendra alors l'élève d'Aurèle Nicolet à la Staatliche Hochschule für Musik de Freiburg qui lui décernera, en 1979, un diplôme supérieur. Nommé flûte solo associé à l'Orchestre symphonique de Montréal en 1980, il se joindra par la suite à Musica Camerata de Montréal, à l'Ensemble de la Société de musique contemporaine du Québec et à l'Orchestre symphonique de Pittsburgh.

Outre sa très fructueuse carrière de musicien, Robert Langevin enseigne à la Juilliard School of Music et dirige le Département d'études orchestrales en flûte à la Manhattan School of Music. Pendant la saison 2005-2006, des tournées de concerts l'ont amené en Allemagne, en Suisse, en Belgique, en Hollande, au Luxembourg, en Italie et en Slovénie. En Amérique du Nord, il a présenté des classes de maître ainsi que des récitals à Orlando, Salt Lake City, Toronto et New York.  

<< Revenir à la section académie

Jennifer M. Gunn a été nommée piccolo du Chicago Symphony Orchestra par Daniel Barenboim en juin 2005. Depuis lors, elle participe à la série de musique contemporaine de l’orchestre appelé MusicNow, en plus d’agir à titre de conseillère pour le Civic Orchestra. En outre, elle est invitée régulièrement à jouer avec les Chicago Chamber Musicians et Music of the Baroque Orchestra de Chicago. Avant de se joindre au CSO, elle occupait le poste d’assistante flûte solo du Louisville Orchestra (Kentucky) durant la saison 2004-2005, et flûte solo du Fort Wayne Philarmonic (Indiana) de 2001 à 2004. Mme Gunn a aussi été artiste invitée de plusieurs orchestres, notamment les orchestres symphoniques de Pittsburgh et de Cincinnati. 

Jennifer Gunn a fait ses débuts comme soliste avec le Chicago Symphony Orchestra au mois de mai 2008 dans le Concerto en do majeur, RV 443 de Vivaldi. En avril 2007, elle a participé comme soliste à la série MusicNow dans Nesting Cranes de Shirish Korde. Alors qu’elle était avec le Fort Wayne Philarmonic, elle a souvent joué comme soliste et a remporté plusieurs concours, dont un premier prix au National Flute Association’s Piccolo Artist Competition en 2004. 

Originaire de Selinsgrove en Pennsylvanie, Mme Gunn détient un baccalauréat en musique de Duquesne University à Pittsburgh, où elle a étudié avec Robert Langevin et Rhian Kenny. Elle a aussi étudié avec George Pope et Mary Kay Ferguson. Son mari est Jonathan Gunn, un clarinettiste du Cincinnati Symphony Orchestra. 

<< Revenir à la section académie

Le clarinettiste Guy Yehuda est reconnu mondialement sur la scène musicale pour son talent exceptionnel. Il est le lauréat du Heida Hermanns International Woodwind Competition en 2003, de l’Indianapolis Matinee Musicale Competition en 2004, et du Fischoff Chamber Music Competition en 2004 (comme membre du Trio di Colore). Depuis ses débuts nord-américains de concertiste avec le Royal Conservatory Orchestra sous la direction de Peter Oundjian, M. Yehuda a participé à de nombreuses tournées en Europe, en Amérique du Nord et en Israël. Entre autres, il a occupé le poste de clarinette solo avec l’Orchestre philharmonique d’Israël, l’Orchestre du Festival contemporain de Lucerne, le Chicago Civic Orchestra, le Spoleto Festival Orchestra, l’Orchestre symphonique d’Haïfa, et le Cincinnati Chamber Orchestra, en plus d’être l’invité du Chicago Symphony Orchestra et du Jacksonville Symphony Orchestra. Il a joué sous la direction de chefs d’orchestre de renom, notamment Pierre Boulez, Zubin Mehta, Kurt Masur, Kent Nagano, Yuri Temirkanov, Giuseppe Sinopoli, sir Andrew Davis, Kurt Sanderling, Roberto Abbado, Cliff Colnot, Fabio Mechetti, Peter Oundjian, et Daniel Barenboim. Il a collaboré avec les principaux compositeurs et interprètes de la planète incluant Pierre Boulez, Steve Reich, George Benjamin, Menahem Pressler du Beaux-Arts Trio, et le Cypress String Quartet. M. Yehuda a récemment présenté la première du nouveau concerto pour clarinette composé à son intention par l’illustre compositeur israélien Haim Permont avec le renommé Orchestre des solistes de Tel-Aviv lors d’une tournée vivement acclamée en 2009-2010. Musicien très demandé, il a joué en solo et en musique de chambre aux festivals Spoleto (É.-U.), de Verbier et Lucerne (Suisse), de Parry Sound, du Domaine Forget, au Festival de musique de chambre d’Ottawa, dans la série de concerts Fountain Arts, ainsi qu’aux festivals de musique de chambre israéliens de Kfar Blum et Haïfa.  

M. Yehuda est également fort populaire au récital en Amérique du Nord et en Europe. Il a joué comme soliste dans les plus importantes salles de concert, notamment à Carnegie Hall, au Domaine Forget, à la Chicago Symphony Hall, au Pal á cio Foz et la Casa da M ú sica au Portugal, au Mann Auditorium à Tel-Aviv, et dans le cadre de la Dame Myra Hess Chamber Series. Il est habituellement actif comme chambriste et participe à de nombreuses tournées avec l’ensemble primé de musique de chambre Trio di Colore qu’il a fondé (avec Yuval Gotlibovich, alto et Jimmy Brière, piano). M. Yehuda a souvent été artiste invité par les réseaux anglais et français de Radio-Canada, la NPR, WFMT Chicago, KUHF Houston, DRS Radio suisse, Radio nationale du Portugal, et la station de radio classique d’Israël, ainsi qu’à la télévision au canal 2 d’Israël et au canal 25 de Chicago. M. Yehuda a de plus enregistré pour le compte des productions Hal Leonard, l’IU New Music Ensemble, ainsi que participé à plusieurs enregistrements en direct sur les ondes de la CBC. L’étiquette canadienne XXI-21 a lancé en 2009 un nouveau CD de M. Yehuda jouant en solo et en trio la musique du compositeur Jean Françaix. La même année, l’étiquette Albany faisait paraître un autre CD de l’artiste. 

Le professeur Yehuda a donné des classes de maître aux États-Unis, au Canada, au Mexique, en Europe et en Israël. Il est un artiste Selmer-Paris et anime des stages musicaux aux É.-U. et à l’étranger, en plus d’être souvent invité comme membre du jury lors de concours nationaux et internationaux, et comme soliste aux conférences ICA ClarinetFest ainsi qu’au symposium de clarinette de l’Oklahoma. Il est aussi le directeur artistique du Florida Clarinet Extravaganza – un festival annuel de la clarinette, et pendant l’été il est artiste-professeur en résidence au célèbre Festival Orford au Québec. Il est actuellement membre de la faculté à l’University of North Florida où il enseigne la clarinette et la musique de chambre. Un chef d’orchestre accompli, M. Yehuda a été chef d’orchestre en résidence au Royal Conservatory Orchestra de Toronto, où il a travaillé auprès des maestros George Cleve, Leon Fleischer et Gary Kulesha. Dans le cadre de ses études à l’université de l’Indiana, M. Yehuda a travaillé avec les chefs d’orchestre David Effron et Imre Palo. Comme compositeur, il a en outre vu ses œuvres publiées, et il a remporté le prestigieux prix de composition Sharet d’Israël, après avoir œuvré individuellement auprès de Pierre Boulez, P. Q. Phan, Alexander Rappoport, Yinam Leef et Haim Permont.       

M. Yehuda a étudié avec les clarinettistes distingués James Campbell, Eli Eban, Avrahm Galper, Charles Neidich, Larry Combs, Howard Klug, Alfred Prinz, et Yitzhak Katzap. Il a reçu sa maîtrise et son doctorat en musique de l’Indiana University Jacob School of Music, ainsi qu’un certificat d’interprétation, la plus importante distinction accordée par cette vénérable institution. Auparavant, M. Yehuda avait reçu un Artist Diploma et son baccalauréat de la Glenn Gould Professional Music School au Royal Conservatory of Music de Toronto. 

<< Revenir à la section académie

Le quotidien ontarien The Toronto Star a désigné James Campbell comme étant un des plus imminents clarinettistes et solistes au Canada. Il a présenté des concerts solos et de musique de chambre dans plus de trente pays, fut soliste pour plus d’une soixantaine d’orchestres dont les Boston Pops, le London Symphony, le Russian Philharmonic et l’Orchestre Symphonique de Montréal. À quatre reprises, il a joué le Concerto pour clarinette de Copland sous la baguette d’Aaron Copland lui-même. 

Il a joué avec plus d’une trentaine de quatuors à cordes dont les ensembles Amadeus (durant leur tournée californienne, en remplacement de Benny Goodman alors qu’il était souffrant), Guarneri, Vermeer, New Zealand et St-Lawrence. Il compte à son actif plus d’une quarantaine d’enregistrements sonores incluant la Rhapsodie de Debussy avec Glenn Gould, le Philharmonia Orchestra de Londres, ainsi que le premier enregistrement de l’arrangement pour clarinette et orchestre de Berio de la Sonate en fa mineur de Brahms avec le London Symphony. Son enregistrement du Quintette pour clarinette de Brahms fut choisi par la BBC et le London Time comme étant le meilleur enregistrement de cette œuvre sur le marché. Plus d’une trentaine d’œuvres ont été écrites pour lui dont des compositions de James Mac Millan (Écosse), Jacques Hétu (Canada), David Baker (États-Unis), George Shearing (Angleterre/États-Unis), Wilhem Jetts (Hollande) et Keiko Harada (Japon). 

Il est récipiendaire d’un Prix Juno, a reçu la médaille du Jubilée de la Reine, fut nommé artiste canadien de l’année et fut décoré de la plus haute distinction au pays, l’Ordre du Canada. 

James Campbell est professeur de clarinette à l’université d’Indiana depuis 1988 et est également le directeur artistique du Festival of the Sound en Ontario depuis 1985. 

<< Revenir à la section académie

David Bourque joue de la clarinette et de la clarinette basse au sein de l’Orchestre symphonique de Toronto depuis 1983. Avant sa nomination à l’OST, il a joué dans plusieurs orchestres dont ceux du Stratford Festival, le Canadian Opera Company et le National Ballet of Canada. Il fut également invité par l’Orchestre du Centre National des Arts et l’Orchestre symphonique de Montréal. Il joue régulièrement lors des plus grands festivals de musique de chambre dont le Festival of the Sound et le Festival International de musique de chambre d’Ottawa. David Bourque est considéré comme l’un des meilleurs clarinettistes basses en Amérique du Nord et le plus grand joueur de cor de basset du Canada. David Bourque enseigne aux études supérieures depuis 1979, il a occupé plusieurs postes au sein de la faculté de musique de l’University of Toronto et de l’University of Western Ontario. En 2004-2005, il fut professeur invité à la Mount Allison University et au printemps 2008, il fut professeur associé à l’University of Prince Edward Island. Il enseigne présentement la clarinette, la clarinette basse et dirige les vents pour l’orchestre de l’Université de Toronto. Il est également membre de la faculté du National Youth Orchestra of Canada. 

Davis Bourque est natif de Toronto et est diplômé de la faculté de musique de l’University of Western Ontario rattachée à l’Université de Toronto. 

<< Revenir à la section académie

Très réputé comme l’un des hautboïstes canadiens les plus connus, James Mason célèbre sa 32e saison comme hautbois solo du Kitchener-Waterloo Symphony. Arrivé au Canada en 1975, il a accepté le poste de hautbois solo avec le Saskatoon Symphony Orchestra, avant de déménager à Kitchener en 1979. Il a été actif comme soliste, chambriste et professeur en Allemagne, aux Pays-Bas, en Espagne, en Amérique du Sud, au Japon, ainsi qu’au Canada et aux États-Unis. 

Sous « l’ancien régime » de Radio-Canada (CBC), il faisait l’objet d’enregistrements en direct sur une base régulière. Il a participé à dix reprises à des albums comme soliste et avec orchestre, et a enregistré l’essentiel du répertoire de musique solo et de chambre pour le hautbois, ainsi que plusieurs œuvres pour hautbois et orchestre composées spécialement à son intention. Au mois de janvier 2009, les Gallery Players of Niagara ont produit avec M. Mason un CD d’œuvres pour hautbois et cordes commandées pour lui, intitulé Canadian Oboe Quartets. 

Pendant les mois d’été, M. Mason travaille dans les festivals de musique partout en Amérique du Nord, invité régulièrement par les festivals Orford, d’Elora et le Festival of the Sound. Sa conjointe la pianiste Julie Baumgartel et lui sont les codirecteurs artistiques fondateurs du Grand River Baroque Festival. Il a de plus joué comme hautbois solo invité avec les orchestres symphoniques de Montréal, Boston et Toronto, ainsi que l’Orchestre du Centre national des Arts. 

M. Mason est membre de la faculté de l’université Wilfrid Laurier. Professeur dévoué, il a reçu en mai 2009 le Faculty Mentor of the Year Award de l’association des anciens de cette université. La même année, les anciens élèves de M. Mason mettaient sur pied en son honneur un fonds de bourses d’études à l’UWL appelé la James Mason Oboe Scholarship. Il a en outre lancé en décembre 2010 un DVD didactique sur l’art de la facture d’anches pour le hautbois. Ses étudiants travaillent dans les orchestres et les organismes musicaux au Canada et aux États-Unis à la fois comme interprètes et administrateurs. 

En 1999, Jim Mason a reçu le Kitchener-Waterloo Arts Award for Music. En tant qu’artiste Yamaha, il joue sur un hautbois de cette marque. 

<< Revenir à la section académie

James Sommerville est devenu le cor solo du Boston Symphony Orchestra en janvier 1998. Après avoir remporté les plus hautes distinctions aux concours de Munich, Toulon et au Concours pour jeunes interprètes de Radio-Canada, et grâce au soutien de la CBC et aux subventions généreuses du Conseil des Arts du Canada et de la Macmillan Foundation, M. Sommerville a entrepris une carrière de soliste qui lui a attiré les éloges de la critique et du public avec tous les principaux orchestres canadiens, les orchestres radiophoniques de Bavière et de Berlin, et plusieurs autres formations orchestrales en Amérique du Nord et en Europe. 

Son enregistrement des concertos pour cor de Mozart avec le CBC Vancouver Orchestra lui a mérité le prix Juno pour le meilleur enregistrement classique au Canada. Ses enregistrements de la Sérénade pour ténor, cor et cordes et de Canticle III de Britten ont été mis en nomination aux prix Juno en 1999 et 1997. M. Sommerville est également membre des Boston Symphony Chamber Players, avec lesquels il participe régulièrement à des tournées mondiales, en plus d’avoir enregistré le Quintette en mi bémol pour cor et cordes, K. 407, de Mozart sous étiquette BSO Classics. Il a de plus enregistré de la musique de chambre pour Deutsche Grammophon, Telarc, CBC, Summit, et Marquis. Au nombre de ses collaborations antérieures, M. Sommerville a joué avec les orchestres symphoniques de Montréal et de Toronto, l’Orchestre de la Canadian Opera Company, Symphony Nova Scotia, en plus d’être cor solo par intérim de l’Orchestre de chambre d’Europe. Il compte ainsi un grand nombre de participations et d’enregistrements partout au monde en tant que membre d’orchestre. On peut l’entendre fréquemment au réseau de la CBC dans diverses formations de musique de chambre, et il a en outre enregistré l’ensemble du répertoire pour cor pour radiodiffusion depuis vingt ans. 

Comme artiste invité et membre de la faculté, M. Sommerville a participé à bon nombre de festivals de musique, notamment le Festival of the Sound, le Vancouver Chamber Music Festival, le Scotia Festival, le Festival du Domaine Forget, celui de Sarasota, et le Festival international des arts de Banff. Parmi ses récentes interprétations comme soliste, mentionnons la première mondiale du Winter Solstice pour cor et cordes de Christos Hatzis à Yellowknife dans les Territoires du Nord-Ouest; la première nord-américaine du Hamburger Konzert de Ligeti avec le Boston Symphony Orchestra; le Concerto pour cor de John Williams, avec le compositeur au pupitre du BSO à Tanglewood; et, jouant sur un cor naturel (sans pistons), le Concertino de Weber, diffusé en direct sur les ondes de la National Public Radio avec la Handel & Haydn Society dirigée par Christopher Hogwood. Il jouera en concerto notamment avec l’Academy of St Martin in the Fields à Londres et l’Orchestre symphonique national du Costa Rica. 

En plus de jouer le cor, M. Sommerville est directeur artistique du Hamilton Philharmonic, l’un des orchestres symphoniques les plus vénérables du Canada. Il est de plus actif comme chef d’orchestre, et présente une saison complète d’abonnement et de concerts éducatifs chaque année à Hamilton. Il enseigne aussi au Tanglewood Music Center, à la Longy School, et au New England Conservatory of Music. Ses participations comme soliste avec le Boston Symphony Orchestra comptent le Concerto pour cor no 1 de Strauss (à Tanglewood en 2000), la Sérénade pour ténor, cor et cordes de Britten (janvier 2001), le Concerto pour sept instruments à vent, timbales, percussions et orchestre de cordes de Martin (octobre 2001), la première américaine du Hamburger Konzert de Ligeti (janvier et février 2002) et, plus récemment à Tanglewood en 2004 le Concerto pour cor de John Williams. 

<< Revenir à la section académie

Natif de Chicago et diplômé de Juilliard (baccalauréat et maîtrise en musique), Edward Carroll (né en 1953) est un trompettiste, chef d’orchestre et professeur de réputation internationale. Il a été nommé professeur associé à l’École de musique Schulich de l’Université McGill en 2007 (la chaire de la section des cuivres lui a été accordée en 2009). Il est également professeur de trompette et coordinateur d’études des cuivres au California Institute of the Arts (CalArts), ainsi que chargé de cours senior au Dartmouth College. Par le passé, il a occupé la chaire internationale d’études des cuivres à la Royal Academy of Music de Londres, ainsi que le poste de professeur de trompette au Conservatoire de Rotterdam aux Pays-Bas. Il est directeur du Center for Advanced Musical Studies à Chosen Vale, et a été responsable de la programmation musicale de la California State Summer School of the Arts de 2006 à 2008. Il est en outre président du comité de commandes de compositions de l’International Trumpet Guild (ITG). 

M. Carroll a occupé le poste de trompette solo avec l’Orchestre philharmonique de Rotterdam (James Conlon, Jeffrey Tate, et Valeri Guerguiev, directeurs artistiques), le San Diego Symphony (David Atherton), et le poste de trompette solo associé avec le Houston Symphony (Lawrence Foster), et il a participé à des tournées qui l’ont mené à se produire dans les principales salles de concert et les plus grands festivals du monde, en plus d’enregistrer sous étiquettes Sony, EMI, Virgin et Erato. Souvent artiste invité de la Chamber Music Society of Lincoln Center, Edward Carroll a dirigé, enregistré et fait des tournées avec le New York Trumpet Ensemble de 1979 à 1988. Il a de plus joué avec les ensembles London Sinfonietta, Speculum Musicae, Music Today, I Musici de Montréal, Orpheus, le Bach Aria Group, la Handel & Haydn Society (Boston), et comme soliste avec plusieurs orchestres d’Amérique du Nord et d’Europe. Les compositeurs sir Harrison Birtwistle, Larry Polansky, Anne LeBaron, Bruce Adolphe, et Paul Moravec (gagnant d’un prix Pulitzer) ont tous composé des œuvres à son intention, et l’on retrouve plusieurs de ses enregistrements solos sous étiquettes Sony, Vox, MHS, et Newport Classic. M. Carroll a animé des classes de maître aux écoles de musique Juilliard, Eastman et Manhattan, au Curtis Institute, aux universités Rice et Northwestern, du Michigan et North Texas, à l’Interlochen Arts Academy, la North Carolina School for the Arts, et le Tanglewood Institute, ainsi qu’au Conservatoire Rimski-Korsakov de Saint-Pétersbourg (en Russie), le Conservatoire de Shanghaï (en Chine), à l’Académie de trompette de Brême et la Hochschule für Musik Köln (en Allemagne), au Conservatoire de Sofia (en Bulgarie), au Conservatoire de Kuopio (en Finlande), au Conservatorio Guido Cantelli à Novara et le Conservatorio Gaetano Donizetti à Bergamo (en Italie), ainsi qu’au Royaume-Uni à la Royal Scottish Academy of Music and Drama (Glasgow), la Royal Academy of Music (Londres), et le Royal Northern Conservatory (Manchester). Il est souvent appelé comme membre du jury lors de concours internationaux, notamment ceux de la Concert Artists Guild, des Young Concert Artists, et de Chamber Music America. 

<< Revenir à la section académie

Douglas Hill est professeur de musique (cor) à l’université du Wisconsin depuis 1974. Nommé Emily Mead Baldwin-Bascom Professor in the Creative Arts, M. Hill a reçu en 2009 le Chancellor's Distinguished Teaching Award. Il est un ancien président de l’International Horn Society et a été nommé membre honoraire de l’IHS en 2008. Il joue et enregistre actuellement avec le Wisconsin Brass Quintet et il a été soliste invité avec le Rochester Philharmonic, le New Haven Symphony, le New York City Ballet, les Contemporary Chamber Ensembles de New York et de Chicago, l’Aspen Festival Orchestra, les orchestres de Henry Mancini et d’Andy Williams, et depuis trente ans avec le Madison Symphony. M. Hill est un des membres originaux du Spoleto Festival Brass Quintet et il s’est produit avec le Wingra Woodwind Quintet, ainsi que les New York et American Brass Quintets. 

Parmi les nombreuses publications de M. Hill nous retrouvons Collected Thoughts on Teaching and Learning, Creativity, and Horn Performance (2001), Extended Techniques for the Horn (1981/1996), Introducing the Instruments: Horn Home Helper (2005); plus de trente articles, des partitions de ses compositions et livres d’étude pédagogiques; le DVD didactique Hill on Horn, trois enregistrements en solo et une brochette d’enregistrements avec orchestres et ensembles de musique de chambre avec le St. Louis Symphony, l’Aspen Festival Orchestra, et le Madison Symphony, notamment Thoughtful Wanderings: Compositions by Douglas Hill, mettant en valeur les élèves anciens et actuels, membres de la faculté et du personnel de l’école de musique de l’université du Wisconsin. 

Le professeur Hill a fait partie des facultés de la Oberlin Conservatory, l’Aspen Music School, des conservatoires de musique de Beijing et de Shanghaï, de l’Orchestre des jeunes d’Asie, du Wilkes College, de la University of South Florida, du Sarasota Music Festival, de la Yale Summer School à Norfolk, et du Kendall Betts Horn Camp. Récemment il était membre du jury et coach des vents et cuivres pour le compte de la National Foundation for Advancement in the Arts, et il a servi à de maintes reprises sur les jurys des Concours Fischoff et Coleman Chamber Music, ainsi qu’au Concours international de cor solo à Toulon en France. Reconnu comme l’un des seuls vingt cornistes à être mentionnés dans le livre 20th Century Brass Soloists de Michael Meckna, M. Hill s’est produit comme soliste et animateur de stages aux États-Unis, en Allemagne, en France et en Chine, notamment lors de nombreux ateliers et symposiums sur les scènes internationales, nationales et régionales.  

<< Revenir à la section académie

Décoré de l’Ordre du Canada en 2005, André Laplante s’est mérité l’attention des gens du métier à travers le monde en se méritant de nombreux prix aux concours internationaux de piano de Genève en Suisse et de Sydney en Australie. Il a également décroché la médaille d’argent à l’International Tchaïkovski Competition à Moscou. Les critiques le comparent à Ashkenazy, Horowitz et Rudolh Serkin, le classant dans le cercle restreint des virtuoses qui osent prendre des risques. 

Tout récemment, André Laplante a fait plusieurs apparitions à titre de soliste invité par plusieurs grands orchestres tels que l’Orchestre Symphonique de Montréal et le Chicago Symphony Orchestra, le Czech Philharmonic Orchestra au Carnegie Hall et au Kennedy Center, et le Minnesota Orchestra dirigé par Sir Neville Mariner. Il a également participé à la tournée européenne du Toronto Symphony dirigé par Andrew Davis, ainsi qu’à la tournée nord-américaine du Royal Philharmonic sous la baguette de Sir Yehudi Menuhin. 

Il a également fait une grande tournée en République Populaire de Chine, une tournée de récitals en Extrême Orient, en Australie et en Amérique du Nord, et a fait plusieurs apparitions dans divers festivals tels que le Festival Debussy en France, le Pecs Festival en Hongrie, le Festival Orford au Canada, le Cascais Festival au Portugal et le Salzburg Festival en Autriche. 

André Laplante est aussi membre de jurys dans de nombreux grands concours de piano tels qu’à la Tchaikovsky International Piano Competition, à l’International Music Festival en Autriche, à la CBC National Competition, à la Honen International Piano Competition, à la William Kapell International Piano Competition et à la Van Cliburn International Piano Competiton for Outstanding Amateurs. 

André Laplante est également un artiste de studio prolifique. Il a sorti de nombreux albums sur l’étiquette canadienne Analekta. Sa discographie inclut plusieurs enregistrements primés dont celui des œuvres de Liszt qui fut honoré d’un Prix Félix (récompense de l’Association du Disques et du Spectacle Québécois – ADISQ) en 1995, un enregistrement de Ravel et Rachmaninov ainsi qu’un autre de Brahms. Il a aussi enregistré pour les étiquettes de la CBC et Mélodia. Il fut nominé au Gala de l’ADISQ 2001 pour son enregistrement du Concerto no. 1 de Tchaïkovski. Sa prestation du Concerto pour piano no. 2 de Jacques Hétu s’est vu décerné un Prix Juno ainsi qu’un Western Canadian Music Awards. 

André Laplante est membre de la faculté de l’académie Orford depuis plus de dix ans. 

<< Revenir à la section académie

John Perry, artiste distingué et professeur de piano, a reçu son baccalauréat et sa maîtrise à la Eastman School of Music et fut étudiant de Cecile Genhart. Durant cette période, il a également travaillé avec l’éminent Frank Mannheimer lors des saisons estivales. 

Récipiendaire de la bourse Fulbright, il a poursuivi ses études en Europe pendant quatre ans où il a travaillé avec Wladyslav Kedra, concertiste et professeur polonais de l’Akademie für Musik de Vienne, et Calo Zecchi, chef d’orchestre réputé, pianiste et chef du département de piano de la Santa Cecilia Academy of Music à Rome. 

John Perry a remporté de nombreuses récompenses dont plusieurs premières places aux concours de piano internationaux de Busoni et Viotti en Italie ainsi que les honneurs au concours international Marguerite Long à Paris. Depuis ce temps, il a énormément joué en Europe et en Amérique du Nord où il a obtenu les faveurs de la critique. Très respecté comme chambriste, John Perry a collaboré avec les meilleurs instrumentistes du monde. 

Il jouit également d’une excellente réputation comme professeur, présente des classes de maître dans diverses facultés dans le monde et est souvent invité à faire partie de jurys dans les concours de piano les plus prestigieux. Ses étudiants ont remporté de nombreux prix lors d’importants concours dont deux prix au concours Rubinstein, quatre prix au concours national Music Teacher’s National Association, et le Premier Prix à la Naumburg National Chopin Competition, à la Beethoven Foundation Competition, aux Federated Music Clubs, à l’YKA, à l’AMSC, au Washington Friday Morning Musical et à la YMF Competition, ainsi que des places de finalistes au Chopin International à Varsovie, au Van Cliburn, au Queen Elizabeth, à Leeds, à Dublin, à Busoni, à la Leipzig Bach Competition, au concours mondial à Cincinnatti et à la Three Rivers Competition. 

John Perry est professeur de piano au Colburn Conservatory of Music et à la Thornton School of Music of the University of Southern California de Los Angeles, à la Glenn Gould School of the Royal Conservatory of Music à Torono, à l’Idyllwild School of the Arts en Californie, et est membre de la faculté de musique du Banff Center en Alberta. 

Pendant l’été, il est artiste et professeur au Aspen Music Festival and School, au Morningside Bridge Program du Mont Royal College à Calgary, l'Académie du Centre d’arts Orford au Québec, au Sarasota Music Festival, au Sommer Musik Program à Bad Bertrich en Allemagne, au Pan-Pacific Summer Music Festival à Sydney en Australie et visite plusieurs autres facultés et festival à travers le monde. 

Ses enregistrements sonores sont disponibles sur étiquettes Telefunken, Music Heritage Society, CBC, ACA et Fox.

<< Revenir à la section académie

Jean Saulnier mène une active carrière de soliste, chambriste et pédagogue. Au fil des ans, il a acquis une vaste expérience du répertoire solo et de musique de chambre. Son aisance, sa souplesse et sa qualité d’écoute en font un partenaire recherché comme en témoignent ses nombreuses collaborations avec les meilleurs musiciens canadiens et étrangers.   

Jean Saulnier a remporté de nombreux prix dans des concours nationaux et internationaux dont les concours William Kapell, Prix d’Europe, et Leschetizsky. Il se produit au Canada, aux Etats-Unis, en Amérique du Sud et en Europe et a été l'invité de plusieurs orchestres dont l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre symphonique de Québec, l'Orchestre Métropolitain, le Rochester Philharmonic, et l'ensemble I Musici de Montréal. On peut également l’entendre dans les plus importants festivals de musique au pays ainsi qu’à la radio de la Société Radio-Canada.   Jean Saulnier a enregistré plusieurs œuvres majeures du répertoire de musique de chambre avec ses partenaires de longue date, le violoncelliste Yegor Dyachkov et le clarinettiste André Moisan, sur étiquettes Pelléas, Atma, Analekta et Doberman-Yppan. En 2002, il a aussi réalisé sur un Pleyel de 1848 un enregistrement Chopin dont on a souligné l’originalité et le raffinement. Depuis, il a eu plusieurs occasions de jouer sur ce rare et remarquable instrument. Ces différentes expériences l’ont amené peu à peu à modifier sa perspective de l’esthétique de la musique de Chopin.

Jean Saulnier a étudié avec Marc Durand, Leon Fleisher et André Laplante. Son doctorat de l'Université de Montréal lui a valu la médaille d’or académique du Gouverneur Général. Il est professeur agrégé à la faculté de musique de l’Université de Montréal où il enseigne depuis plus de 20 ans. Il dirige une classe de piano très dynamique dont sont issus plusieurs musiciens reconnus sur la scène professionnelle. Il donne aussi régulièrement des classes de maître dans différentes institutions supérieures d’enseignement et siège sur de nombreux jurys de concours nationaux et internationaux, d’institutions supérieures d’enseignement et d’organismes gouvernementaux d’aide aux artistes. 

<< Revenir à la section académie

Depuis plus de quarante ans, le pianiste Marc Durand a poursuivi une carrière très diversifiée de pianiste soliste, collaborateur et de pédagogue, surtout comme professeur titulaire à la Faculté de Musique de l'Université de Montréal. Depuis 1988, il est aussi professeur invité au Glenn Gould School of the Royal Conservatory of Music de Toronto. 

Marc Durand a acquis une grande expérience de concertiste. Il a été soliste avec divers orchestres et a été entendu régulièrement sur les ondes de Radio-Canada. Il a enregistré plusieurs disques et fait de nombreuses tournées en Amérique du Nord, en Europe, en Afrique du Nord, en Asie, en Indonésie, et en Australie. Depuis 1978, son engagement envers les recherches psychopédagogique l’a distingué comme l’un des professeurs canadien de piano et de pédagogie les plus recherché. Il est régulièrement invité à donner des classes de maître et à prendre part à divers jurys importants à travers le Canada et les Etats-Unis. 

Ses étudiants se sont distingués en gagnant des prix et bourses dans divers concours nationaux et internationaux et plusieurs sont maintenant impliqués de diverses façons dans le milieu musical soit comme concertistes mais aussi comme professeurs, dans des universités canadiennes et américaines et dans certains conservatoires en Suisse. 

<< Revenir à la section académie

Musicienne d’une grande sensibilité et intensité, Maneli Pirzadeh se distingue parmi les meilleurs pianistes de sa génération. Grâce à son jeu raffiné et sa fougue, elle a capté tant l’enthousiasme du public que les éloges des critiques.  Née en Iran, la pianiste canadienne mène de front une carrière active de soliste, de chambriste et de pédagogue. 

Maneli Pirzadeh se produit régulièrement au Canada, aux États-Unis, au Mexique, ainsi qu’en Europe. Invitée par plusieurs orchestres dont l’Orchestre de chambre I Musici de Montréal, l’Orchestre Symphonique de Laval, l’Orchestre Symphonique de Sherbrooke, l’Orchestre Appassionata et le North York Symphony Orchestra de Toronto, elle a  collaboré avec des chefs d’orchestre comme Jean-François Rivest, Raffi Armenian, Yuli Turovsky, Stéphane Laforest, Kerry Stratton et Daniel Myccyk. Interprète recherchée, elle figure parmi les invités des festivals reconnus comme le Festival International de Lanaudière, le Festival de Musique de Chambre d’Ottawa, le Festival du Centre d’Arts Orford, le Banff Centre for the Arts, le Festival d’été de la Maison Trestler, le Festival de Musique de Chambre à Ste-Pétronille et le Texas Piano Festival aux Etats-Unis. En récital, on a pu l’entendre à plusieurs reprises à la Société Pro Musica à la Place des Arts de Montréal, au Glenn Gould Studio, au St. Laurence Centre for the Performing Arts et au prestigieux Ford Centre for the Performing Arts à Toronto.  En 2006, invitée par l’ambassade du Canada, elle a effectué une tournée dans plusieurs villes du Mexique. Chambriste convoitée, elle a collaboré entre autres avec Mayumi Seiler, Benoit Loiselle, Susan Hoeppner, Denis Bluteau, Ted Baskin, Yegor Dyachkov, Stéphane Lévesque, Marie-Josée Lord, James Campbell, Anne Robert  et l’Ensemble Pentaèdre.  De plus, Maneli Pirzadeh a déjà à son actif plusieurs concerts diffusés par la Chaîne culturelle de Radio-Canada à Montréal et au CBC Glenn Gould Studio de Toronto. 

Lauréate de nombreux prix dont le prestigieux Prix d’Europe en 2001, le 1er Prix du Tremplin International en 2000, le 1er Prix du Concours  CIBC en 1998 et le 1er Prix au Concours International du Centre d’Arts Orford. Maneli Pirzadeh a enregistré le Concerto pour piano no.1 de A.Glazounov avec l’Orchestre de chambre I Musici de Montréal sous l’étiquette CHANDOS, interprétation qui lui a valu de nombreux éloges parmi les critiques nationales et internationales.  Maneli Pirzadeh a étudié auprès de Marc Durand, André Laplante, Leon Fleisher et John Perry.  Elle détient un Artist Diploma du Glenn Gould Professional School de Toronto et un Doctorat en 2002 de l’Université de Montréal sous la direction de Marc Durand. Pédagogue recherchée, elle a donné plusieurs cours de maître au Canada, aux Etats-Unis et au Mexique, et est souvent invitée comme membre de jury pour divers concours de musique.  Maneli enseigne au Centre d’Arts Orford en plus d’être professeure de piano et responsable du département de piano à la Faculté de Musique de l’Université de Montréal. 

<< Revenir à la section académie

Jimmy Brière mène une brillante carrière de soliste, chambriste et professeur.  Il a entre autres été soliste avec l’Orchestre Symphonique de Montréal, l’Orchestre Symphonique de Québec, l’Orchestre de la Francophonie Canadienne et I Musici de Montréal. 

A l’étranger, il a été l’invité du South Bend Symphony, des philharmoniques de Ruse et Pleven en Bulgarie et de l’Orchestre Classica de Porto. 

Il est invité régulièrement à se produire dans les festivals majeurs du Canada, comme le Festival de Lanaudière, le Festival international de musique de chambre d’Ottawa et le Festival of the Sound de Parry Sound. À l’extérieur du Canada, il s’est produit en récital et en musique de chambre à Dallas, Cleveland, Chicago, Indianapolis, Tel Aviv et Jérusalem. 

Premier prix du Concours International de Hong Kong, lauréat du Concours International de Porto et médaille d’or du Concours de musique de chambre Fischoff, Jimmy Brière est professeur invité à l’Université de Montréal depuis 2004. Il a aussi donné des classes de maître au Centre d’Arts Orford, au Glenn Gould School de Toronto et au Winona State University du Minnesota. 

<< Revenir à la section académie

Né à Marseille dans une famille de musiciens, Jacques Rouvier reçut l'enseignement de Vlado Perlmutter, Pierre Sancan et Jean Hubeau au Conservatoire national supérieur de Paris, où il obtint les premiers prix de piano et de musique de chambre, en plus d'être par la suite lauréat des concours Viotti, Canals, Union européenne de Radio et Long-Thibaud.

Il doit à Pierre Barbizet et Jean Fassina un grand enrichissement pédagogique et humain. Il enseigne depuis 1979 au Conservatoire national et a donné des classes de maître dans le monde entier. Ses enregistrements de l'intégrale pour piano de Maurice Ravel ainsi que les sonates pour violon et piano de Ravel et Debussy ont reçu le Grand Prix du Disque en France. Sa discographie compte plus de trente titres, dont l'oeuvre complète de Claude Debussy. Il a participé, comme soliste ou chambriste, à de nombreux festivals et académies dont Prades, Spoleto, Aix-en-Provence et Kuhmo Il a de plus fondé en 1970 le trio Rouvier-Kantorow-Muller avec lequel il se produit toujours régulièrement.  

<< Revenir à la section académie

Originaire de Montréal, Olivier Godin poursuit une brillante carrière au Canada et à l’étranger. Il se produit avec plusieurs musiciens de renom ainsi que pour de nombreux festivals. Il collabore comme répétiteur avec des chefs tels Kent Nagano, Charles Dutoit, Agnès Grossmann , Franz-Paul Decker, Raffi Armenian, Joseph Rescigno et Yannick Nézet-Séguin. Il occupe présentement le poste de co-directeur du studio d’opéra au Conservatoire de musique de Montréal où il travaille avec les jeunes chanteurs, et enseigne également à l’Université McGill. Olivier Godin a enregistré 7 disques de musique française avec le baryton Marc Boucher, dont l'intégrale des mélodies de Duparc, ainsi que les oeuvres complètes pour deux pianos de Rachmaninov. 

<< Revenir à la section académie

David Breitman est autant à l’aise assis devant un pianoforte qu’un piano moderne et sa discographie reflète parfaitement cette versatilité. Son plus récent enregistrement fut le cycle de mélodies du compositeur cubain Jorge Martin avec Sanford Sylvan. Il a également collaboré à plusieurs autres enregistrements dont Die schöne Müllerin de Schubert (utilisant une réplique d’un pianoforte Graf), Belove That Pilgrimage (trois cycles de mélodies datant du 20e siècle) et un programme complet de Fauré. Dans une collaboration d’un tout autre genre, Breitman partage, avec sept autres pianofortistes, un cycle complet de mélodies de Beethoven. Ensemble, ils ont présenté la série à New York, Florence et Palerme, et le coffret de 10 CD a reçu un très bel accueil. 

Dernièrement, il a présente des concerts de musique de chambre à Édinbourg, a donné des classes de maître à Fribourg en Allemagne et a joué le Concerto pour piano no 4 de Beethoven à Tuscaloosa en Alabama. 

<< Revenir à la section académie

Né à Montréal, Richard Turp a grandi à Londres à partir de l'âge de six ans. Diplômé de London University (Russian Regional Studies et Musique), il entreprend des études vocales avec son père, le célèbre ténor, André Turp. Pendant une décennie, il chante principalement en Europe, mais retourne à son pays natal afin de chanter le rôle de Malcolm dans la production de Macbeth de Verdi pour L'Opéra de Montréal en 1983 aux côtés de son père. 

À la fin de 1988, il devient directeur artistique du Festival International de musique de Montréal. En 1991, il est nommé directeur des événements spéciaux à L'Opéra de Montréal, un poste qu'il occupe pendant deux ans. Il agit comme directeur général par intérim à l'Orchestre de chambre McGill avant d'accepter, en 1997, la nomination de directeur artistique du Festival de musique de Lachine, une position qu'il occupe toujours. En 1998 il co-fonde de la Société musicale André-Turp. Il assume, jusqu’en 2011, la direction artistique de cette société qui produit une prestigieuse série vocale à Montréal. Cofondateur de l’Institut canadien d’art vocal, il assume la direction artistique du programme de mélodie de l’institut pendant quatre ans. 

Richard Turp s’est produit fréquemment sur les réseaux français et anglais de la SRC. De plus, à titre de directeur artistique, il a conçu le concert de clôture, intitulée, Montréal en Voix, de l'édition 2002 du Festival Montréal en Lumière qui a été télédiffusé sur les ondes de la CBC et la SRC ainsi qu'ARTV. Toujours à la télévision mais pour BRAVO, il a assuré la conception artistique et musicale ainsi que l’écriture de plusieurs séries dont Opera Easy, Opera Stories, Portraits of Mozart, Shakespeare in Music, Klassical Kabaret et Musical Voices.

À titre de conférencier, il travaille pour, entre autres, L'Opéra de Montréal, l'Orchestre de chambre McGill, l'Orchestre symphonique de Montréal, CAMMAC et The Wagner Society. De plus, il a été maître de cérémonie pour deux éditions des Rubies, le gala de Opera Canada. Il écrit les notes de programmes pour plusieurs organismes musicaux et compagnies de disques puis il collabore fréquemment avec plusieurs revues dont Opera Canada et Opera Now.

Il a été membre de jury de nombreux concours prestigieux dont le Concours Musical International de Montréal, du Concours Standard Life OSM puis de la Fondation Jacqueline Desmarais pour jeunes chanteurs canadiens d’opéra.

Richard Turp a enseigné à l'UQAM et à l'Université de Montréal où il a donné les cours sur le répertoire vocal et a présenté plusieurs séminaires sur le répertoire vocal français. Il a aussi enseigné la diction lyrique française à l’université McGill.

<< Revenir à la section académie

Lena Hellström-Färnlöf est une chanteuse suédoise d’opéra. Elle a gradué en tant que chanteuse soliste et pédagogue à l’Academy of Music and Drama de la Gothenburg University pour ensuite obtenir son diplôme de chanteuse d’opéra de la University College of Opera à Stockholm.

Pendant ses études à la University College of Opera, elle a obtenu plusieurs bourses qui lui ont permis d’étudier hors de la Suède avec, entre autres, Vera Rosza, Oren Brown et René Jacob. Tout au long de sa carrière de chanteuse d’opéra, elle a joué plusieurs rôles allant de l’époque baroque à aujourd’hui. Par exemple, Proserpina, Blondchen Adelé, Antonia, Frasquita et Madame Cortese.

En plus de ses rôles à l’opéra, Lena Hellström-Färnlöf possède un grand répertoire de pièces survolant l’époque médiévale jusqu’au répertoire contemporain. En tournée, elle a fréquemment représenté la Suède en Allemagne, en Suisse, en Autriche, en Espagne et au Danemark; chantant  autant pour des ensembles de musique de chambre qu'en solo pour de grands orchestres symphoniques et des chorales. Elle a aussi fait des prestations à la radio et à la télévision, et l'un de ses enregistrements de musique ancienne a été nomé Disque du mois pour Naxos aux États-Unis.

Depuis quelques années, Lena Hellström-Färnlöf s’est consacrée à temps plein à l’enseignement auprès de chanteurs étudiants autant que professionnels. Elle a, pendant plusieurs années, enseigné à l’University College of Opera de Stockholm. Elle est très en demande et plusieurs de ses étudiants ont reçu de prestigieux prix. Les étudiants de Lena Hellström-Färnlöf travaillent maintenant pour toutes les grandes maisons d’opéra et sont représentés par les plus grandes agences suédoises. L’année dernière, le prestigieux concours Swedish Jenny Lindgrant a attribué, pour une deuxième fois, leur grand prix à un de ses étudiants. Ces derniers ont également remporté à quatre reprises le prix Kristina Nilsson.

En février 2009, Lena Hellström-Färnlöf a été nomée conférencière senior du University College of Opera de Stockholm et, en février 2010 y a obtenu un poste titulaire. En septembre 2011, elle devient professeur à l'Université de Mälardens. Depuis février 2011, Lena Hellström-Färnlöf est directrice artistique du département de musique de l'Université de Mälardens.

Les cours et les classes de maître de Lena Hellström-Färnlöf sont très appréciés. Elle présente un enseignement énergique, dynamique et engagé pour chacun de ses stagiaires.

L’été 2012 marquera la présence de madame Hellström-Färnlöf pour une troisième année au Centre d’arts Orford.  

<< Revenir à la section académie

François Le Roux a une carrière qu’on ne peut être qualifiée autrement que d’illustre. Il a joué au Glyndebourne Festival, au Royal Opera House, au Covent Garden et dans de nombreuses salles prestigieuses d’Europe et d’Amérique du Nord. De 1985 à 1988, il fut, d’une part, acclamé comme étant le plus grand Pelléas de sa génération et a, d’autre part, reçu le Prix de la Révélation de l’année pour son rôle de Don Giovanni à l’Opéra-Comique de Paris. Après plus d’une centaine de représentations dans le rôle de Pelléas, il est passé au rôle de Golaud qu’il a joué lors du centenaire de la première sur scène de l’opéra le 30 avril 2002. 

Son répertoire couvre toutes les partitions de baryton de Mozart, une sélection de partitions du répertoire italien telles que Figaro, Dandini, Maltesta et Marcello, et plusieurs rôles titres du répertoire baroque tel que dans Orphéo de Monteverdi, Tancrède de d’André Campra et Pollux de Rameau. Il interprète les compositeurs contemporains tels qu’Henze dans Le Prince de Hombourg sous la direction de Wolfgang Sawallisch, la première mondiale de Gawain de Birtwistle au Covent Garden, Les Souffrances du jeune Werthers de Von Bose au Schwetzingen Festival et Modern Painters de David Lang à l’Opéra de Santa Fe. François Le Roux donne également beaucoup de récitals accompagnés de noms prestigieux tels qu’Irwin Gage, Graham Johnson, Roger Vignoles, Noël Lee et Jeff Cohen. 

En plus des nombreux enregistrements qu’il a fait sous étiquettes EMI, Erato et BMG-RCA, François Le Roux a sorti de nombreux disques de chansons françaises sur étiquettes EMI. REM, Hyperion et Decca-Universal, tous acclamés internationalement. 

Il a été honoré du grade de "Chevalier" de l’Ordre des Arts et Lettres en 1996, et désigné "Personnalité musicale de l’année 1997-1998" par le Syndicat Français de la critique musicale et dramatique. Son premier livre, écrit avec le concours de Romain Raynaldy, et paru aux éditions Fayard : "Le Chant intime, De l’interprétation de la mélodie française", a obtenu le prix René Dumesnil 2004 de l’Académie des Beaux Arts. 

Professeur de chant à l’Académie Ravel de Saint-Jean-de-Luz depuis 2006, il enseigne l’interprétation dans des maisons prestigieuses comme la Sibelius Academy d’Helsinki, l’Art Song Festival de Cleveland aux États-Unis, l’Institut Français de Kyoto au Japon, à la Escuela Superior de Canto de Madrid, et, chaque année à l’Académie Francis Poulenc de Tours qu’il a fondée en 1997.

<< Revenir à la section académie

Premier Prix du Conservatoire de Musique du Québec à Montréal dans la classe d’André Turp, la soprano Chantal Lambert poursuit une carrière active de chanteuse, tout en dirigeant l’Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal depuis 1990. Elle vient de terminer un mandat de trois ans à titre de présidente du Conseil québécois de la musique  (2008-2011).

« Soprano qui sait allier subtilité et émotion, qui sait manier avec autant de succès opéra, lied et mélodie »*, Chantal Lambert a été de la distribution de dix-sept différentes productions à l’Opéra de Montréal: La Belle Hélène (rôle-titre), La Voix humaine (Elle), La Veuve Joyeuse (Nadia), La Vie parisienne (Métella), Carmen (Mercedes), La Cenerentola (Tisbe), The Consul (Anna Gomez), etc.  Avec l’Orchestre Métropolitain, elle a fait partie de six séries d’événements (La Boutique fantasque, Concerts Gershwin, Hänsel & Gretel, Concerts de la francophonie, Le Jardin féerique et un Noël magique).  Elle a aussi participé à plusieurs concerts de l’Orchestre Baroque de Montréal, notamment dans Alcina (Oberto) et The Messiah, ainsi qu’à des programmes de musique sacrée avec l’organiste Bernard Lagacé.  Elle a aussi été la narratrice de l’œuvre Tableaux fugitifs de Michelle Ekezian avec I Musici de Montréal. Elle prête sa voix aux personnages de la sorcière et de la mère dans la tournée nord-américaine de Hänsel & Gretel avec le “Théâtre sans fil” (marionnettes géantes).

Depuis 2001, elle se consacre principalement au récital en compagnie de partenaires chevronnés: la metteure en scène Marie-Lou Dion et les pianistes Roger Vignoles, Michael McMahon, Jean Marchand, Marc Bourdeau et Martin Dubé. En 2010-2011, elle a participé au FestiVoix de Trois-Rivières (Cabaret classique avec le pianiste Jérémie Pelletier); elle a chanté des lieder de Robert et Clara Schumann et de Johannes Brahms dans un spectacle conférence intitulé: “Un triangle amoureux” auprès du musicologue Pierre Vachon, des comédiens Caroline Lavoie et Alexandre Préfontaine et du pianiste Marc Bourdeau; elle a participé à la première édition du FestivaIOpéra Saint-Eustache (Québec) dans Soirée Offenbach sous la direction de Vincent Monteil, dans une mise en scène de Patricia Panton et Hommage à Lionel Daunais, avec le baryton Dominique Côté, le pianiste Marc Bourdeau, sous la direction de Marie-Lou Dion.

Communicatrice et pédagogue, Chantal Lambert a été présentatrice lors de nombreux concerts et événements musicaux.  Elle a participé à des tables rondes et émissions de radio et de télévision.  Elle est co-auteur d’ouvrages linguistiques (lexiques anglais, italien et allemand) à l’intention des artistes lyriques. Elle donne des classes de maître portant sur le développement de carrière et l’interprétation au Canadian Operatic Arts Academy (COAA - University of Western Ontario) et au Centre d’Art Orford.

*La Presse, Mai 2001

<< Revenir à la section académie

Edith Bers est à la tête du département de chant de la prestigieuse Juilliard School of Music, et travaille également au sein des facultés de la Manhattan School of Music et de l’University of New York ainsi que pour le Graduate Program in Vocal Arts du Bard College Conservatory, dirigé par Dawn Upshaw.

Elle a mené une brillante carrière à la fois à l’opéra et au concert, participant entre autres à la création américaine de l’œuvre de Schumann Der Sängers Fluch. Edith Bers a fait partie du jury et donné des cours de maître pour les auditions du Metropolitan Opera National Council, le Korean Broadcasting System, les Hong Kong/ Juilliard Master Classes et la Concert Artists Guild. 

Elle a donné des cours lors de plusieurs festivals d’été dont l’Aspen Music Festival, le Ravinia Festival Steans Institute et à l’Institut Bel Canto de Florence. Ses étudiants, incluant Isabel Leonard et la québécoise, Julie Bouliane, se produisent dans les plus grandes maisons d’opéra à travers le monde ; New York, Santa Fe, Philadelphie, Glyndebourne, Hambourg, Bordeaux et Francfort, sans oublier le Metropolitan Opera. 

<< Revenir à la section académie

Denise Massé, qui est née au Québec, est aujourd’hui une des plus célèbres chefs de chant au monde. Elle a collaboré avec plusieurs artistes lyrique et institutions musicales du globe incluant le Metropolitan de New York puis les compagnies d’opéra de Los Angeles et Washington; les Staatsopers de Berlin et Vienne en plus du Théatre des Champs Élysées à Paris, le New York Philharmonic puis les orchestres de Cleveland, Boston, Philadelphie et Montréal sous la direction de chefs tels Colin Davis, James Levine, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Bernard Haitink, Daniel Barenboim, et Charles Dutoit.

Elle fut répétitrice pour de nombreux enregistrements et récitals mettant en vedette des chanteurs tels Placido Domingo, Rockwell Blake, Lorraine Hunt Lieberson, Susan Graham et Renée Fleming. Denise Massé collabore fréquemment avec divers programmes vocaux pour jeunes artistes à Los Angeles, Washington et Montréal. Elle a également enseigné en Chine, en France, à Puerto Rico, au Mexique et au Canada en plus de collaborer avec le concours international Operalia. Denise Massé enseigne à la Juilliard School de New York et au Curtis Institute of Music de Philadelphie. 

<< Revenir à la section académie

La soprano du Nouveau-Brunswick Wendy Nielsen jouit d’une carrière internationale à l’opéra et au concert. Elle a fait ses débuts au Metropolitan Opera de New York dans le rôle de Fiordiligi du Cos ì fan tutte de Mozart en 1996, et y est retournée dans plusieurs rôles depuis lors, notamment ceux de la comtesse dans Le nozze di Figaro, Donna Elvira dans Don Giovanni et Micaela dans Carmen. Elle compte de nombreuses collaborations avec les maisons d’opéra d’Amérique du Nord, dont la Canadian Opera Company où elle a été stagiaire, le New York City Opera, l’Opera Company of Philadelphia, le Boston Lyric Opera, l'Opéra de Montréal, Calgary Opera, Minnesota Opera et le Florida Grand Opera. 

Au concert, elle a interprété une grande variété de répertoires à l’échelle mondiale, allant de Mozart à Penderecki, avec des chefs d’orchestre du calibre de James Conlon, Kurt Masur, Iván Fischer, Long Yu, Eiji Oue, Charles Dutoit et Mario Bernardi. 

En 2010-2011, elle chantera entre autres les rôles-titres de Tosca avec le Manitoba Opera, et de Vanessa de Barber pour Pacific Opera Victoria, ainsi que celui de Vitellia dans La Clemenza di Tito de Mozart avec le Vancouver Opera. Elle doit également participer à une tournée des provinces maritimes où elle présentera des récitals et des classes de maître, en plus d’interpréter les solos de soprano dans Messiah avec le Symphony Newfoundland et l’Orchestre symphonique de Longueuil. 

En plus de cet horaire chargé, Mme Nielsen est très active comme enseignante, animatrice de stages, et membre de jurys. Elle a été professeure invitée par le Canadian Opera Company Ensemble, le Glenn Gould Studio, l’université du Manitoba, l’école de musique Schulich de l’Université McGill, et les universités de Dalhousie et de Mount Allison, notamment. Elle a enseigné une grande diversité de programmes d’été, entre autres au Centre d’arts Orford, Opera Nueva à Edmonton, le nouveau programme d’opéra estival de l’université de Toronto : COSI à Sulmona en Italie, et elle est en outre directrice artistique du programme d’été à St. Andrews by-the-Sea, un programme reconnu à l’échelle nationale grâce à ses efforts depuis seize ans.  

Mme Nielsen est une ancienne présidente du conseil d’administration de Début Atlantique et membre du conseil de l’organisme national  opera.ca , la voix de l’opéra au Canada. Elle détient un baccalauréat en musique de l’université de Lethbridge, une maîtrise en musique en opéra de l’université de la Colombie-Britannique et des doctorats honorifiques des universités du Nouveau-Brunswick et de Lethbridge.  

<< Revenir à la section académie

Michael McMahon compte sans aucun doute parmi les accompagnateurs les plus recherchés au Canada. Natif de l'Ontario, il a étudié avec Charles Reiner à l'Université McGill avant d'aller se perfectionner à l'Académie d'été internationale du Mozarteum de Salzbourg ainsi qu’en Autriche à l'Institut Franz-Schubert et à la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Vienne, où il a obtenu un diplôme en accompagnement vocal.  Durant son séjour en Europe, il a travaillé avec des artistes légendaires tels Elly Ameling, Hans Hotter, Kim Borg et Erik Werba. 

Il est revenu à l'École de musique Schulich de l’Université McGill à titre de professeur d’interprétation et d’accompagnement vocale. Il est également professeur au Franz Schubert Institute d’Autriche, au Centre for Opera Studies d’Italie et à l’Opera Nuova du Canada. La liste des artistes lyriques avec lesquels il a travaillé est longue et comprend, entre autres ; Nathan Berg, Richard Margison, Manon Feubel, Maureen Forrester, Karina Gauvin, Joseph Kaiser, Marie-Nicole Lemieux, Wendy Nielsen, et Brett Polegato. 

Michael McMahon est toujours très actif sur la scène musicale et ses enregistrements ont été acclamés par la critique.  

<< Revenir à la section académie

Après des études en théâtre,  son intérêt pour l’opéra se concrétise dans un stage de mise en scène au Canadian Opera Company à Toronto. Il travaille pour cette compagnie à titre d’assistant metteur en scène sur une vingtaine d’opéras, et c’est dans ce contexte qu’il est associé au travail de Robert Lepage lors de ses premières mises en scène à l’opéra, pour les productions  ‘Le Château de Barbe-Bleue’ de Bartok et ‘Erwartung’ de Schoenberg. Par la suite, on lui confie les reprises de ces productions aux festivals d’Édimbourg, de Melbourne et de Hong Kong. Il dirige les reprises à Montréal, Québec, Seattle, Cincinnati, Toronto, Vancouver et Edmonton. 

Entre-temps, François Racine signe des mises en scènes d’opéra à Québec, Toronto, Vancouver, Victoria, Edmonton, Halifax, Montréal, Los Angeles, Hong Kong et Cincinnati. Récemment il a dirigé des productions en Suisse (Didon et Énée) et à l’Opéra de Montréal  (Rigoletto). 

C’est dans le contexte de l’art lyrique qu’il a collaboré à maintes reprises avec Kent Nagano et l’Orchestre Symphonique de Montréal,  afin de mettre en scène des versions concerts du répertoire de l’opéra -Tannhäuser, Norma, La Sonnambula, Saint-François d’Assise,   ainsi qu’avec Yannick Nézet-Séguin et l’Orchestre Métropolitain pour la présentation de ‘la clemenza di Tito’ . 

Au fil des ans il dirige des productions pour le Studio d’opéra de l’Université McGill -où il signe la mise en scène de Louis Riel, récipiendaire du prix Opus ‘Meilleure production de l’année 2005’,  ainsi que  pour l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Montréal, les Jeunesses Musicales du Canada et le Conservatoire de Musique de Montréal. 

Toujours porté pour sa passion du théâtre, de la musique, du drame et de la comédie, François Racine a mis en scène des comédies musicales, du théâtre d’été ainsi que des pièces pour les enfants. À titre d’auteur dramatique, il a écrit plusieurs pièces destinées au jeune public, et produites par les Jeunesses Musicales du Canada. Il a aussi remanié et adapté une dizaine de livrets d’opérette, qui furent présentés par diverses compagnies de la région de Montréal. C’est à titre d’auteur et de metteur en scène qu’il a conçu le ‘Tribute to Robert Lepage’, dans le cadre du festival World Leaders, présenté au ‘Harbourfront Festival’ à Toronto, en octobre 2001. 

En juillet 2009, François Racine a été nommé ‘Artist of the Year’ pour la saison 2008/09 de l’opéra de Seattle. 

Détenteur d’une maîtrise en théâtre, François Racine enseigne le jeu dramatique pour le Studio d’opéra de l’université McGill depuis 2008.  

<< Revenir à la section académie

Ana Sokolovic est née à Belgrade, Serbie en 1968.  Elle a étudié la composition auprès de Dusan Radic à l'Université de Novi Sad, avec Zoran Eric à l'Université de Belgrade, puis a obtenu une maîtrise avec José Evangelista à l'Université de Montréal. 

Son répertoire comprend des œuvres pour orchestre, pour piano et plusieurs œuvres de musique de chambre. Elle a également composé de nombreuses musiques de scène. Ses œuvres ont été joués au Canada, France, Hollande, Allemagne, Italie, Islande, Belgique, Angleterre, Ukraine, Etats-Unis, Japon, Suisse, Slovénie, Croatie, Serbie, Indes et Mexique, dans les festivals Présence (Paris), Nordic Music Days (Reykjavík), Biennale (Venise), Biennale (Zagreb), Holland Festival (Amsterdam), MNM (Montréal), ADEvantgarde Festival (Munich) et Cervantino (Mexico) parmi d'autres. 

En 1995 et 1998, Ana Sokolovic a été lauréate du Concours des jeunes compositeurs de la SOCAN avec  Ambient V  pour deux violons,  Secret de polichinelle  pour quatre instruments et  Pesma  pour mezzo-soprano et sept instruments. En 1999 elle a obtenu le premier prix du concours des jeunes compositeurs de Radio-Canada pour son œuvre  Géométrie sentimentale  dans la catégorie musique de chambre, ainsi que le grand prix toute catégorie. En 2005, Ana Sokolovic a obtenu le prix Joseph S. Stauffer du Conseil des Arts du Canada, en 2007 le Prix Opus pour le compositeur de l’année, et en 2008 le prix Jan Matejcek de la SOCAN pour la présence exceptionnelle de la musique de concert pour l’année écoulée. 

Elle a obtenu des commandes de l'Ensemble Contemporain de Montréal, de la Société de Musique Contemporaine du Québec , des compagnies de danse Brune  et Cas Public,  du Quatuor Molinari , de l’Esprit Orchestra , de l’Orchestre  baroque de Montréal, de l’Orchestre symphonique de Montréal, de Queen of Puddings Music Theatre Co., de Soundstreams, de Arraymusic, de Manitoba Chamber Orchestra, du trio Fibonacci, du trio Phoenix, de l’Evergreen Club Gamelan, du Quatuor Bozzini , de Angèle Dubeau et La Pietà, de Radio-France, de violoniste Julie-Anne Derome, de clarinettiste Lori Freedman, de violoncelliste Yegor Dyachkov, de bassoniste Stéphane Lévesque, d'altiste Jutta Puchammer, en plus d’être à plusieurs reprises boursières du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Radio-Canada/CBC. En 1996 et 2009, elle a été représentante du Québec/Canada à la Tribune internationale des compositeurs de l’Unesco  à Paris. Elle a également obtenu en 2003 et 2010 les commandes des pièces imposées du Concours de violon des Jeunesses musicales du Canada et du Banff International String Quartet Competition. 

Son premier opéra The Midnight Court, crée par la compagnie The Queen of Puddings Music Theatre Co. en 2005, avait sa création européenne en été 2006 à Royal Opera House à Londres.  Ana Sokolovic vient de recevoir le Prix du Centre National des Arts à Ottawa qui comprennent commandes, résidences et enseignement pour les cinq prochaines années. 

Durant la saison 2011-2012, la SMCQ lui consacre la Série Hommage à Ana Sokolovic, un grand honneur dans le milieu culturel québécois. 

www.anasokolovic.com

<< Revenir à la section académie

Sandra Murray poursuit une brillante carrière de chambriste et de pianiste-collaborateur.  En tant que membre du duo de pianos Ouellet-Murray, elle a fait une tournée pour les Jeunesses Musicales du Canada  et a enregistré 2 disques acclamés par les critiques. 

Elle a collaboré avec plusieurs artistes tels que Yossif Ivanov, Jonathan Crow, Louis-Philippe Marsolais, Radovan Vlatkovich, le Quatuor Alcan et le Quatuor Borealis. Elle est également membre de l'ensemble Orford Six Pianos . On a pu l’entendre notamment dans les séries Pro Musica, Début, ainsi qu’au Centre d’arts Orford,au Domaine Forget, au Festival of the Sound, au Festival de Laterrière et au Festival international de Lanaudière.   Sandra Murray est professeur accompagnateur au Conservatoire de musique de Montréal depuis 1998. 

<< Revenir à la section académie

Originaire de Chicoutimi, Claire Ouellet poursuit une brillante carrière de pianiste sur la scène canadienne ainsi qu’à l’étranger. Sa collaboration comme chambriste est très estimée et l’amène à se produire régulièrement dans les festivals et séries de concert comme Pro Musica, Festival international de Lanaudière, Festival Orford, Domaine Forget, Parry Sound,Festival de musique de chambre de Montréal, Orgue et couleurs et maison Trestler entre autres. Un grand nombre de ses prestations sont diffusées sur les ondes de Radio-Canada. 

Soliste avec plusieurs orchestres au pays, elle a également été invitée à jouer avec l’Orchestre symphonique de Grenade en Espagne. De plus elle a donné des récitals en France, Suisse, Allemagne et Tchécoslovaquie. Membre du duo de pianos Ouellet-Murray, Claire Ouellet a enregistré deux disques loués par la critique internationale. Le duo s’est produit à travers le pays lors d’une tournée pour les Jeunesses musicales du Canada, ainsi qu’une tournée Jouer dans l’ile organisée par le Conseil des Arts de Montréal. 

Formée principalement par Carlos Feliciati au Conservatoire de musique de Chicoutimi où elle termine ses études avec un brillant Premier Prix à l’unanimité, Claire Ouellet s’est perfectionnée trois ans à Paris grâce à des bourses du gouvernement français et du Ministère des affaires culturelles du Québec. Récipiendaire de nombreux prix elle obtient en 1994 un doctorat en interprétation décerné par l’Université de Montréal. 

En 1995 elle est nommée professeure accompagnatrice au Conservatoire de musique de Montréal. Elle se spécialise dans le répertoire de violon et violoncelle. Elle collabore lors de masterclasses avec des musiciens tels Maxim Vengerov, Vadim Repin, Igor Oistrakh, Augustin Dumay, Gil Saham, Vladimir Spivakov, Janos Starker. 

Sa solide expérience est recherchée dans le cadre d’académie d’été comme le Camp des Laurentides et le Centre d’Arts Orford ainsi qu’au Concours musical international de Montréal. 

<< Revenir à la section académie

Prix d’Europe et prix spécial d’interprétation du Centre de musique canadienne, lauréate de nombreuses bourses et de concours, Mariane Patenaude est très sollicitée tant par les instrumentistes que les artistes lyriques depuis sa sortie du Conservatoire de musique du Québec à Montréal en 1996 (classe de Raoul Sosa ). Elle s’est par la suite perfectionnée auprès de Monique Deschaussées, puis de Francis Dubé. Passionnée par la voix, Mariane a également étudié le chant avec France Dion et Pierre Mollet et travaille présentement avec Gabrielle Lavigne. 

Ses activités l’ont menée dans diverses provinces du Canada, en Europe et aux Etats-Unis. 

Mariane Patenaude partage maintenant son temps entre le Cégep Saint-Laurent, son studio privé, Les Voix d’Elles (chœur de filles), l’accompagnement (Université de Montréal, Université McGill, Cégep Saint-Laurent, École Pierre-Laporte et Centre d’Arts Orford ), la musique de chambre (Trio Polymnie, Orford Six piano) et le récital. 

Mariane Patenaude a participé à plusieurs enregistrements tant pour la radio, la télévision et le disque (étiquettes Atma, Analekta, SNE, Richelieu et XXI). 

<< Revenir à la section académie

Natif de Sherbrooke, Francis Perron a poursuivi des études approfondies dans plusieurs institutions réputées, telles l’Université de Montréal (Doctorat en interprétation) et l’Université de Musique et des Arts dramatiques de Vienne où il a fait des études post-graduées en Lied et en accompagnement vocal. Il a acquis une vaste expérience en tant que chambriste, accompagnateur et coach vocal, l’amenant à d’étroites collaborations avec des organismes tels l’Orchestre symphonique de Montréal, le Wien Kammeroper, le conservatoire de Vienne, ARD Musik Wettbewerb, pour ne nommer que ceux-là. Il poursuit par ailleurs une carrière très active, autant en Europe qu’en Amérique du Nord : il a donné des récitals en Autriche, en Allemagne, au Danemark et en France. 

<< Revenir à la section académie

En 1967 Lorraine Prieur obtient une maîtrise en interprétation de l'Université de Montréal avec très grande distinction. Invitée en mars 1966 par le "Young Concert Artists Pianoforte Series", elle fait ses débuts au Carnegie Hall de New York. Premier prix au Concours national du Centenaire, plusieurs fois soliste avec différents orchestres, sous la direction de plusieurs chefs importants dont le Maestro Wilfrid Pelletier, Lorraine Prieur poursuit une carrière de chambriste, de professeur et d'accompagnateur.

Lorraine Prieur a enseigné à l'UQÀM et à l'Université de Montréal où elle fut directrice musicale de l'atelier d'opéra pendant 5 ans de 1988 à 1993. Mme Prieur a été directrice intérimaire des conservatoires de Montréal, Gatineau et Rimouski (1999-2003). Pendant la saison estivale, elle est invitée au Centre d'Arts Orford : elle travaille comme pianiste au sein de différentes classes d'instruments et fait partie du groupe ORFORD SIX PIANOS. Ayant pris sa retraite du CMADQ depuis août 2009, elle occupe présentement le poste de directrice de l'École Préparatoire de Musique de l'UQÀM. Avec son partenaire Luc Saucier, elle dirige l’École de musique et de calligraphie « La Montée des Arts » à Mont St-Hilaire. 

<< Revenir à la section académie

Alexandre Da Costa est né à Montréal, Québec, Canada en 1979. Très jeune, il démontra un intérêt hors du commun pour le violon et le piano. Il donna ses premiers concerts à l’âge de neuf ans avec cette étonnante particularité d’exceller avec autant de virtuosité et de musicalité sur ces deux instruments, ce qui lui valu d’être reconnu comme prodige de la musique. Sa carrière en tant que violoniste soliste débuta très jeune et il fût rapidement propulsé sur la scène comme soliste avec orchestre tout autant qu’en récital.

En 1998, à l’âge de 18 ans, il obtint une Maîtrise en Violon et un Premier Prix Concours au Conservatoire de Musique du Québec, ainsi qu’un Baccalauréat spécialisé en Interprétation Piano à la Faculté de Musique de l’Université de Montréal. De 1998 à 2001, il étudia à la Escuela Superior de Musica Reina Sofia à Madrid, auprès de son mentor Zakhar Bron qui forma des violonistes tels Maxim Vengerov et Vadim Repin. En 2002, il remporta le Prix de la Fondation Sylva Gelber décerné par le Conseil des Arts du Canada à un artiste
canadien exceptionnellement talentueux de moins de 30 ans. En 2003, il a gagné le prêt du “Stradivarius Baumgartner 1689” du Concours de la Banque d’Instruments du Conseil des Arts du Canada. En 2010, il gagne le prestigieux Prix Virginia-Parker du Conseil des Arts du Canada, décerné par le Gouvernement Canadien au musicien s’étant le plus distingué au Canada et à l’étranger.

Gagnant de nombreux premiers prix nationaux et internationaux, Alexandre Da Costa a donné plus de mille
concerts et récitals en Amérique du Nord, au Mexique, en Europe, en Asie et au Royaume-Uni. Il a joué dans les plus grandes salles du monde telles Musikverein de Vienne, Philharmonie de Berlin, Carnegie Hall de New York, Musikhalle de Hambourg, l’Auditorium National de Madrid, le Poly-Theater de Beijing, et a joué avec des orchestres prestigieux tels l’Orchestre Philharmonique Royal de Londres, l’Orchestre Symphonique de Montréal, l'Orchestre Philharmonique de Dresde, l’Orchestre Philharmonique de Bergen, l’Orchestre Symphonique de Berlin, l’Orchestre Symphonique de Hambourg, l’Orchestre Symphonique de Vienne, l’Orchestre Philharmonique de Prague, l’Orchestre Symphonique de Toronto, l’Orchestre Symphonique National de la Radio & Télévision d’Espagne.

Alexandre Da Costa a travaillé avec des chefs tels que Rafael Frühbeck de Burgos, Leonard Slatkin, Matthias Bamert, Günter Herbig, Pedro Halffter, Yannick Nézet-Séguin, Carlos Miguel Prieto, Adrian Leaper, Lior Shambadal, pour n’en nommer que quelques-uns. Ses enregistrements en direct ont été diffusés sur les ondes de BBC, WestDeutsche Rundfunk (WDR), Radio-Classical International, Radio-Canada (SRC & CBC), American NPR, Radio Nacional Española (RNE), Austria State Radio (ORF) and TV Asahi (Japon).

Il a enregistré 12 CDs solos sous les étiquettes XXI-21, ATMA et Octave/Universal dont le premier
enregistrement mondial des Concertos pour violon et orchestre des compositeurs portugais Luis de Freitas
Branco et Armando José Fernandes avec l’Orchestre Symphonique d’Extremadura sous la baguette de Jesús Amigo, disque nominé aux prix JUNO 2006. En 2009, il a enregistré les concertos de Michael Daugherty avec l'Orchestre Symphonique de Montréal sous la baguette de Pedro Halffter, sous étiquette Warner. Il enregistre maintenant pour Warner Classics International et JVC/Victor (Japon).

En plus de ses activités de soliste, Alexandre Da Costa est fréquemment invité comme professeur de violon par plusieurs universités et conservatoires d’Europe et d’Amérique. Il fût également nommé Directeur du Développement Musical de la Fondation Canimex, un organisme ayant pour but d’aider des artistes talentueux par l’entremise de prêts d’instruments de grand prestige. Alexandre Da Costa joue sur le Stradivarius Di Barbaro de 1727 et un archet Sartory, prêtés par Canimex.

www.alexandredacosta.com

Andrew Wan se sent tout à fait à l’aise comme soliste, chambriste ou violon solo. Depuis août 2008, il occupe le poste de violon solo de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM), l’un des plus jeunes violons solos de grand orchestre symphonique. Il a fait ses débuts à l’OSM dans le Concerto pour violon d’Elgar en 2007, représentation saluée comme l’un des deux plus importants moments musicaux de cette année-là dans La Presse.

Comme soliste, il a joué avec les orchestres de Montréal, Toronto, Terre-Neuve, Juilliard, Aspen, Edmonton et l’Orchestre de chambre McGill, sous la direction de chefs comme Nagano, Casadesus, Vengerov, Oundjian, DePreist et Stern.

Invité à se produire dans les grandes salles de concert du monde, notamment Carnegie Hall, Alice Tully Hall, Kennedy Center, Jordan Hall et Salle Gaveau, monsieur Wan compte des collaborations avec des formations et artistes du calibre du Juilliard Quartet, l’International Sejong Soloists, le New Zealand Trio, Gil Shaham, James Ehnes et Cho-Liang Lin. Membre du N-E-W Pino Trio et du nouveau Quatuor à cordes Orford, il joue souvent comme violon solo invité avec plusieurs orchestres nord-américains, et il a collaboré comme artistes et membre de la faculté aux festivals Seatlle Chamber, Agassiz, Aspen et Orford.

Monsieur Wan a reçu son baccalauréat et sa maîtrise en musique de l’école Juilliard où il a étudié sous la direction de Masao Kawasaki et Ron Copes. En 2008, il était le seul violoniste accepté dans le prestigieux Artist Diploma Program de cette institution renommée. En ce moment, il enseigne le violon à l’école de musique Schulich de l’Université McGill à Montréal.

Monsieur Wan bénéficie du généreux soutien du Prix des artistes de la relève du lieutenant-gouverneur de l’Alberta, du Conseil des Arts du Canada, de la fondation Anne Burrows, de la fondation des arts de l’Alberta et du fonds Winspear.

Andrew Wan joue sur un violon Michel Angelo Bergonzi de 1744, prêt de la collection David Sela pour lequel il est très reconnaissant.

<< Revenir à la liste des professeurs

Matthew McDonald est contrebasse solo à l’orchestre philharmonique de Berlin. Né à Canberra, Australie, il a étudié avec Max McBride et Kees Boersma, et détient un baccalauréat en musique du conservatoire de Sidney. En 2000, une bourse d’études l’amenait à l’académie Karajan de Berlin (l’école de l’orchestre philharmonique de Berlin) où il a eu Klaus Stoll comme professeur. Il a ensuite obtenu le poste d’assistant, contrebasse solo à l’orchestre symphonique de la radio nationale danoise. Afin de poursuivre sa formation, il est retourné à Berlin pour préparer le « Konzertexamen » (diplôme de soliste) au Hochschule für Musik Hanns Eisler avec Esko Laine. À la même époque, il s’est joint à l’Ensemble Modern avec lequel il a joué pendant trois ans.

 Monsieur McDonald a ensuite occupé le poste de contrebasse solo à la Rundfunk-Sinfonieorchester et à la Deutsches Symphonie Orchester, tous deux de Berlin. Il s’est également produit comme soliste invité au Concertgebouw d’Amsterdam et à l’orchestre symphonique de Londres.  

En plus de se produire régulièrement comme chambriste, Matthew McDonald s’est fait entendre au festival de musique de chambre Music at Plush, de même qu’à ceux de Zagreb et de Winchester. Il a aussi été régulièrement invité au International Musicians Seminar de Prussia Cove et a souvent joué avec Imogen Cooper, Radovan Vlatkovic, Mark Padmore et le quatuor Kuss.

Comme soliste, on l’a entendu dans Erinnere dich an G  de Klaus Huber sous la direction de Heinz Holliger, et dans Aus dem Sudelbücher de György Kurtág avec la soprano Salome Kammer. En plus d’enseigner à la Royal Academy of Music de Londres, il a donné des cours de maître à l’Université Yale et au conservatoire de musique de Sydney, auprès de l’orchestre des jeunes de l’Union européenne, du Junge Deutsche Philharmonie et du Britten Pears Orchestra; il est également membre du jury du Deutscher Musikwettbewerb.

<< Revenir à la section académie

Violist, Erika Eckert, is currently Associate Professor of Viola at the University of Colorado at Boulder.  Ms. Eckert has also served on the faculties of The Cleveland Institute of Music, Baldwin Wallace College, and the Chautauqua Institution in New York where she served as the coordinator of the chamber music program for the Music School Festival Orchestra for three summers.  Summer 2012, she will be on the faculty of both the Brevard Music Center and the North American Viola Institute.

As co-founder and former violist of the Cavani String Quartet, Ms. Eckert performed on major concert series worldwide, garnered an impressive list of awards and prizes, including first prizes at both the Walter W. Naumburg Chamber Music Competition and the Cleveland Quartet Competition, and appeared on NBC, CBS, ABC, PBS, and National Public Radio.

In recent seasons, Ms. Eckert has performed as guest-violist with the Takacs String Quartet, appearing with them in Canada, Colorado, Tennessee, Oregon, and Vermont. She has also performed on numerous faculty recitals at the University of Colorado as well as soloing with the Music in the Mountains Purgatory Festival Orchestra, Four Seasons Chamber Orchestra, the University of Colorado Symphony Orchestra, the Boulder Bach Festival, and the Boulder Chamber Orchestra. 

Performing engagements have included the El Paso Pro Musica International Chamber Music Festival, the Australian Festival of Chamber Music, the Garth Newell Music Festival, Vail Bravo!, Music in the Mountains Chamber Music Festival, the Sitka Summer Music Festival Autumn Classics, Niagara International Chamber Music Festival, and Fontana Chamber Arts.   Ms. Eckert has also performed chamber music recitals at the International French Horn, Flute and Double-Reed Conventions and solo performances at the SEAMUS and ICMC electronic music national and international conferences.

Teaching engagements have included presenting viola and chamber music pedagogy sessions, and coordinating the chamber music program at the American String Teachers Association International Workshops in Brisbane, Australia and Stavanger, Norway; presenting viola masterclasses at Juilliard, Cleveland Institute of Music, Eastman School of Music, Arizona State University, Governors School of South Carolina, Interlochen Arts Academy, University of Alabama, Tuscaloosa, University of Memphis, and University of South Carolina; serving on the faculties of the Perlman Music Program, The Quartet Program, and the Takacs String Quartet Seminar; and coaching chamber music at the Suzuki Association of the Americas, Inc. Ninth Conference, the International School for Musical Arts, the Chamber Music Connection, the Interlochen Arts Academy, the Chamber Music Wyoming Young Artist Program, the Britt Institute Chamber Strings, and the Madeline Island Music Camp Adult Chamber Music Program.

Ms. Eckert serves on the board of the Rocky Mountain Viola Society and for three years served as an adjudicator for the National Foundation for Advancement in the Arts (NFAA) Arts Recognition and Talent Search, the exclusive nominating agency for the Presidential Scholars in the Arts, and appeared in their Academy Nominated Documentary, Rehearsing a Dream.

Né en Autriche, le pianiste Anton Kuerti a grandi aux États-Unis et vit au Canada depuis plus de 35 ans. Il a étudié avec entre autres Arthur Loesser, Mieczyslaw Horszowski et Rudolf Serkin. Dès l’âge de 11 ans, il jouait le Concerto de Grieg sous la direction de Arthur Fiedler et il était toujours aux études lorsqu’il remporta le fameux Leventritt Award.Anton Kuerti a fait des tournées dans plus de 30 pays, incluant le Japon, la Russie et la plupart des pays européens. Il a aussi joué avec les principaux chefs et orchestres nord-américains tels le New York Philharmonic, le National Symphony (Menuhin), le Cleveland Orchestra (Szell), le Philadephia Orchestra (Ormandy) et les orchestres d’Atlanta, Denver, Detroit, Pittsburg, St. Louis et San Francisco. Son vaste répertoire comprend quelque 50 concertos, y compris un de sa propre composition.Au Canada, Kuerti s’est fait entendre d’un océan à l’autre dans plus de 140 villes et a joué avec tous les orchestres professionnels du pays, dont le Toronto Symphony avec lequel il s’est exécuté en concert 39 fois.

Comme chambriste, il a joué le répertoire majeur avec des virtuoses comme Gidon Kremer, Yo-Yo Ma, Janos Starker, Barry Tuckwell, et les quatuors à cordes de Cleveland, Guarneri et de Tokyo.

Kuerti est aujourd’hui un des artistes qui a le plus enregistré: il a mis sur disque l’intégrale des concertos et des sonates de Beethoven, des sonates de Schubert, des concertos de Brahms et les œuvres de plusieurs autres compositeurs. Ses enregistrements sont entendus presque chaque jour sur les ondes de la Société Radio-Canada. Kuerti est Officier de l’Ordre du Canada et a reçu plusieurs doctorats honorifiques.

 La pianiste renommée Jane Coop a fait sa marque au cours d’importantes tournées en Amérique du Nord, en Asie et en Europe; elle a en outre joué au Lincoln Center, à Wigmore Hall, au Kennedy Center, au Roy Thomson Hall, à la Salle Gaveau, au centre culturel de Singapour et à la salle Bolshoï de Saint-Pétersbourg, en Russie. Comme soliste, elle a interprété une quarantaine de concertos avec les principaux orchestres canadiens, ainsi qu’avec le Royal Philharmonic Orchestra de Londres, les orchestres symphoniques de Seattle et de Portland, celui de Hong Kong et les orchestres de la radio bavaroise et des Pays-Bas.

Au cours des dernières années, elle a joué avec l’orchestre symphonique de Toronto, l’Ensemble Tokyo, l’orchestre de la CBC, l’orchestre symphonique de Vancouver. Elle a donné des concerts à Los Angeles, New York, Stockholm, Berlin, Shanghai et Taipei en plus de se produire dans son pays natal comme soliste, en musique de chambre et en concerto. Les 15 enregistrements des musiques de Bach à Barber qu’elle a réalisés sous les étiquettes Skylark, CBC et Centaur lui ont valu une reconnaissance internationale. À deux reprises, ses enregistrements ont été en nomination pour les prestigieux prix Juno.

Madame Coop a été membre de jurys internationaux lors d’importants concours de piano, dont ceux de Honens, Kapell, Dublin, Hilton Head, Washington (DC), New York et Zhou Guangren (Chine).

En collaboration avec des musiciens du Julliard Quartet et d’autres musiciens reconnus, elle participe régulièrement au festival de musique de chambre du Keisel Hall à Blue Hill, dans le Maine et à divers festivals de musique au Canada (à Victoria, Vancouver, Parry Sound, Toronto, Ottawa et Corner Brook), en Europe (en Italie et en France), aux États-Unis (dans le Maine, en Arizona, en Californie et en Pennsylvanie) de même qu’au Japon.

Depuis 1980, Jane Coop enseigne le piano et la musique de chambre à l’université de la Colombie-Britannique et détient le titre de « Distinguished University Scholar ».

Oeuvrant dans le domaine de la musique ancienne depuis plus de 25 ans, Suzie LeBlanc a exploré une quantité importante de musiques inédites et s’est produite au Nederlandse Opera, Konzerthaus de Vienne, Concertgebouw ainsi que dans nombreux festivals de musique ancienne  en Europe et en Amérique du Nord. Elle a chanté avec les ensembles réputés : Hilliard Ensemble, Fretwork, Tragicomedia, Purcell Quartet, Les Voix Humaines, Caprice, Arion et Theatre of Early Music. Ses contributions à la musique ancienne et à la culture musicale acadienne lui on valu trois doctorats honorifiques : King’s College University (2008), Mount Allison University (2009) et l’Université de Moncton (2011).

En 2011, co-directrice du Elizabeth Bishop Centenary Festival (EB100) commémorant le 100^e anniversaire de cette poêtesse, elle a crée plusieurs œuvres canadiennes ainsi que le spectacle « At the fishouses » avec l’acteur RH Thompson, l’écrivain Harry Thurston et Tempest Baroque Ensemble.

 En tant qu’actrice, elle a tenu le rôle principal du film Lost Song qui remporta le prix City TV du meilleur long métrage canadien (2008) au Festival International du Film de Toronto (TIFF). Portés sur la musique ancienne, elle joue dans More than a thousand kisses (2001) et Suzie LeBlanc and a man named Quantz (2003) de Prometheus Productions.

 Parmi ses enregistrements récents, Chants de terre et de ciel d’Olivier Messiaen remportait le Prix Opus 2009 pour la musique contemporaine et « Tempi con Variazioni se méritait le prix Opus 2010 dans la catégorie musique de monde. Nobil Donna – musique romaine au 17^e siècle – dirigé par Alexander Weimann avec l’ensemble La Nef (Sylvain Bergeron) est en nomination pour un Opus 2011.

En 2012, elle interprétera entre autre des œuvres de Monterverdi avec le Studio de Musique Ancienne de Montréal et la 4^e symphonie de Mahler avec l’Orchestre Métropolitain et Yannick Nézet-Seguin.

direction du Big Band de l’Université de Montréal

Du jazz au classique, en passant par le répertoire populaire et les musiques du monde, Ron Di Lauro est l'un des trompettistes les plus sollicités au Québec. Au cours de sa carrière, il a accompagné plusieurs artistes de renom tels que Dizzy Gillespie, Aretha Franklin, Tony Bennett, Michel Legrand, Oliver Jones, Vic Vogel, Maureen Forrester, Petula Clark, Céline Dion, Ginette Reno, Barry Manilow, Frank Sinatra Jr., Gino Vannelli, Gregory Charles et Diane Dufresne, pour n’en nommer que quelques-uns.

Comme soliste, il s’est produit à plusieurs reprises avec l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre Métropolitain du Grand Montréal et l'Orchestre symphonique de Québec. Il a aussi participé à de nombreuses émissions de télévision et de radio, a collaboré à des comédies musicales, à des bandes sonores de films et de messages publicitaires, ainsi qu’à plus de 300 enregistrements de disques, notamment avec le Cirque du Soleil. De nombreux festivals de musique et organismes culturels ont régulièrement recours à lui comme membre de jurys. À la Faculté de musique de l’Université de Montréal, et de l’Université de McGill il dirige le Big Band et  en plus d’enseigner la trompette jazz. Il enseigne aussi la trompette « Pop » à l’UQAM .

Le bassiste Alain Caron a entrepris sa carrière à l'âge de 11 ans en participant à un concours d'amateurs. Il se joint ensuite à divers groupes qui interprètent des succès tirés du Top 40 et des standards des répertoires américains, sud-américains et français. À 14 ans, grâce à un disque d'Oscar Peterson, il découvre le genre musical qui deviendra sa plus grande passion : le jazz.

En 1977, une occasion en or se présente à lui lorsqu'il rencontre Michel Cusson et son groupe. Alain Caron se trouve alors en compagnie de musiciens de la même trempe que lui, qui pouvaient apprécier le jazz et ses fondements et qui souhaitaient innover. De cette rencontre est né le groupe jazz fusion québécois UZEB.

Tout en jouant avec UZEB, il commence à travailler en studio et à donner des spectacles dans tous les clubs de jazz de la ville. Essentiellement autodidacte, il a cependant suivi quelques cours de musique privés pour ensuite entrer au Berklee College of Music en 1979. Pendant son séjour à Boston, il est rapidement mis en contact avec des collègues étudiants et l'élite des musiciens de jazz. Il joue dans les clubs de la région de Boston avec des musiciens tels que David Kikovsky, Tom Harrell, Sal Nestico, Frank Tiberi, Jerry Bergonzi et Bob Moses, pour n'en nommer que quelques-uns.

Il décide de revenir à Montréal pour se consacrer presque exclusivement à UZEB. Entre 1981 et 1990, le groupe enregistrera dix albums et vendra au-delà de 400 000 exemplaires de ces disques à travers le monde, en plus d'offrir d'innombrables concerts dans plus de 20 pays.
Caron prends sa carrière solo en main en fondant son propre label,LES DISQUES NORAC. En 1993, il réalise son premier album solo, Le Band, qui reçoit un Félix dans la catégorie Album jazz de l'année, puis il part en tournée au Canada et en Europe avec son groupe. Suivront les disques Rhythm'n Jazz (1995) et Play (1997). En 2000, il fait paraître Call me Al, qui est mis en nomination pour le Félix Album jazz de l'année. En 2003, son cinquième disque solo, intitulé simplement 5, est lancé; il reçoit une nomination pour un JUNO dans la catégorie Album jazz contemporain de l'année.

En parallèle, il accompagne de nombreux artistes de réputation internationale à titre de bassiste, notamment Mike Stern, Frank Gambale, Biréli Lagrène, Didier Lockwood, Tiger Okoshi, Billy Cobham, Horacio "El Negro" Hernandez, Dennis Chambers, Alex Acuna, Don Alias et Gino Vannelli, jouant dans plus de 30 pays.

En avril 2005, Alain Caron est invité à donner une série de spectacles et à enregistrer avec le prestigieux WDR Big Band à Cologne, en Allemagne, sous la direction de Michael Abene de New York. Le disque et le DVD doubles LIVE Cabaret de Montréal sortent en 2006. L'année suivante, il reçoit un doctorat honorifique de l'Université du Québec à Rimouski et lance l'opus Conversations.

En 2010, il lance son septième album studio solo, Sep7entrions, et présente une série de spectacles. L'année suivante, il assiste à l'inauguration de l'École de musique Alain-Caron, située à Rivière-du-Loup, un établissement qui regroupe sous un même toit des activités de formation, d'administration et de diffusion.

Alain Caron s'est développé une réputation de maître de la basse électrique et de virtuose de la basse à six cordes. Cette notoriété a fait en sorte qu'il est invité régulièrement à donner des classes de maître dans de grandes villes du monde, notamment Montréal, Toronto, Vancouver, New York, Boston, Los Angeles, Paris, Londres, Rome, Amsterdam, Genève, Francfort, Tokyo, Hong Kong, Bogota et Mexico.

L'œuvre et le travail d'Alain Caron ont fait l'objet d'un grand nombre d'articles publiés dans des magazines spécialisés. Qu'il s'agisse de pages frontispices, d'articles de fond ou de palmarès des meilleurs bassistes, dans lesquels son nom revient constamment, son impressionnant dossier de presse rassemble des articles parus en Allemagne, en Angleterre, en Belgique, au Canada, en Corée du Sud, en Espagne, aux États-Unis, en France, en Hollande, en Israël, en Italie, au Japon, au Mexique, en Russie et en Suisse.

À ce jour, Alain Caron a fait paraître plus de 20 disques, que ce soit à titre solo ou avec le groupe UZEB, en plus de collaborer à quelque 25 albums d'artistes évoluant autant dans le jazz et la musique world que la pop et la chanson. Récipiendaire de plusieurs prix, dont dix Félix, un Gémeaux et le prix Oscar-Peterson, Alain Caron a été élu meilleur bassiste huit années consécutives par le magazine Jazz Report.

Depuis son arrivée à Montréal en 2001, John Roney est devenu l’un des principaux et plus respectés pianistes jazz. Grâce à sa polyvalence comme interprète, compositeur, arrangeur et enseignant, il compte de nombreuses collaborations avec plusieurs des plus importants musiciens sur les scènes locale et internationale.

Il a participé à plus de cinquante enregistrements commerciaux et a joué partout au monde. Il a quatre albums à son actif et en 2010, il a reçu deux nominations à l’ADISQ et aux Prix Juno pour son album de quatuor à cordes Silverbirch.

Comme compositeur, il a écrit et signé les arrangements de la musique pour la télévision et la radio ainsi que plusieurs projets commerciaux, et a composé de la musique de concert pour des ensembles allant du big band jazz à l’orchestre symphonique

En 2011 il a reçu le Prix Étoiles Galaxie du Festival de jazz de Montréal pour souligner l’excellence de ses compositions.

Également éducateur, M. Roney enseigne le piano à l’Université McGill et les arrangements jazz et l’accompagnement vocal au cégep Marie-Victorin. Il est un artiste KORG Canada, et présente des stages et des classes de maître en tournée.

Damien Schmitt est né à Saint-Nazaire, en France, le 12 avril 1981. Son père lui a enseigné la batterie et à quatre ans, Damien jouait déjà dans le groupe familial. Il a acquis une vaste connaissance musicale dans divers styles allant du funk, au hip-hop, au métal rock, au jazz et au jazz fusion au sein de différents groupes, avant de créer sa propre formation et de se rendre à la finale du prestigieux Printemps de Bourges en l’an 2000. Il compte de nombreuses collaborations avec des artistes du calibre de Yannick Noah, Khaled, et Zap Mama; il a remplacé Paco Sery dans Sixun, et a participé à de nombreuses tournées et plusieurs enregistrements avec les meilleurs musiciens du jazz fusion français.

Il est régulièrement invité à participer à des stages de percussions aux É.-U. et au Japon. En 2007, Jean-Luc Ponty est tellement impressionné par sa technique, sa créativité et son émotivité qu’il l’embauche sur-le-champ.

Il a de plus performé avec des artistes de renom, tels que Jean-Luc Ponty, Sixun, Yannick Noah, Khaled, Gage, Georges-Alain Jones, Emma Daumas, Zap Mama, Les Nubians, Dominique Di Piazza, Jean-Marie Ecay, Hadrien Feraud, Jannick Top, Eric Lelann, Bireli Lagrene, Christophe et Tony Raymond, Alain Caron et New Horizons.

Mario Boivin a fait ses études en percussion à Québec, à l'Université Laval, où il obtint avec mention son baccalauréat en interprétation musicale en 1988 ainsi qu'une maîtrise en interprétation musicale en 1993. De plus, il a effectué un stage de perfectionnement auprès de Leigh-Howard Stevens, spécialiste du marimba. Pendant ses études, il remporta de nombreux prix et bourses dont le Prix d'expression musicale du Cégep de Sainte-Foy en 1984.

On peut entendre Mario Boivin dans plusieurs concerts, tant comme soliste qu'au sein de différents ensembles de musique de chambre et de musique contemporaine. Entre autres, il a été invité comme soliste par l’Orchestre Symphonique de Sherbrooke en 2009. Voulant aussi contribuer à la création de nouveau répertoire pour marimba, il fait régulièrement la première de nouvelles œuvres écrites par des compositeurs québécois. De plus, il est membre fondateur du duo Lessard-Boivin avec la flûtiste Anick Lessard.

Spécialiste du marimba, il enregistre Ekleipsis pour marimba seul composée en 1993 par Monsieur François Morel qui paraît sur le disque Musique à l’Université Laval, vol. 4 sur étiquette SNE. De plus, il a enregistré Three Psalms for Marimba and Choir, composée par Robert Ingari sur le disque compact Sacred Chorus- Chœurs sacrés, disque entièrement consacré aux œuvres de ce même compositeur.  Parmi les nombreux enregistrements qu'il a effectués, mentionnons sa participation aux émissions Tout pour la musique, à la série Jeunes Artistes sur les ondes de Radio-Canada et à l'émission Music from Montreal sur les ondes de CBC. Il est aussi fréquemment appelé à participer à différents jurys  dans  différentes institutions d’enseignement, festivals  et des concours dont le Concours de  musique du Canada.

Mario Boivin est présentement professeur agrégé à l'École de musique de l'Université de Sherbrooke. De plus, il donne régulièrement des concerts et des classes de maître dans les différents collèges et universités du Canada, des États-Unis et d’Europe.

 Mario Boivin est un artiste commandité par la compagnie Pearl/Adams et Vic Firth. Il joue exclusivement sur un marimba Adams.

Emmanuel Séjourné : Compositeur et Percussionniste, né le 16 Juillet 1961 à Limoges (France). Sa musique est rythmique, romantique, énergique, s’inspirant autant de la musique classique occidentale que de la culture populaire (jazz, rock, musique extra-européenne).

De nombreux orchestres l’incluent à leur répertoire:  Nagoya Philharmonic, Osaka Philharmonic, Sinfonia Toronto, Croatian Radio Television Symphony, Luxembourg Philharmonic, Lausanne Chamber Orchestra, Orchestre de la Suisse Italienne, Camerata de Bourgogne, Orchestre d’Auvergne, de Cannes, Nice, Pau, Bochumer Symphoniker, Wurttembergisches Kammerorchester, ainsi que beaucoup d’autres.

Sollicité par le milieu de la percussion, il est commissionné et enregistré par Gary Cook, John Pennington, Ju-Percussion group, Bob Van Sice, Nancy Zeltsman, Marta Klinasara, Katarzyna Mycka, Amsterdam Percussion Group. Passionné par la notion de spectacle, il écrit et compose le spectacle « Planète Claviers » pour l’ensemble « Percussions claviers de Lyon », pièce commanditée par le festival Grame. Ce spectacle loufoque et insolite sera joué plus de 120 fois entre 1998 et 2001.

Son Concerto pour vibraphone et cordes  (1999) « apporte la preuve bien vivante du formidable essor de la percussion et possède toutes les qualités pour mettre en valeur des interprètes d’exception. L’œuvre, dense et riche, est d’une séduction redoutable.» (Luxemburger Wort)

En 2006, il compose un Concerto pour Marimba et Orchestre à cordes, commandé et interprété par Bogdan Bacanu accompagné par les Salzburg Solisten (album « True colors » classic concert records). Depuis 2007, ce concerto  s’impose rapidement comme une œuvre incontournable du répertoire du marimba. Séjourné a également composé de nombreuses pièces pour musique de chambre ainsi pour chœur.

De nombreux commanditaires soutiennent la création d’Emmanuel Séjourné parmi lesquels on peut citer les villes d’Arras et d’Aurillac, le Conseil Général des bouches du Rhône, l’institut Européen de Chant Choral, l’Opéra de Paris.

Parallèlement, il mène également une carrière d’instrumentiste. Il fonde avec le saxophoniste Philippe Geiss l’ensemble Noco Music avec lequel il obtient le Grand prix audiovisuel de l’Europe. Seul ou avec l’ensemble Accroche-Note, il a , à ce jour crée plus d’une centaine d’œuvres incluant concertos, musique de chambre et solos.

Désireux de faire partager et de communiquer sa passion, E.Séjourné est également responsable pédagogique du Département Percussion au Conservatoire de Strasbourg .

Alexander Weimann est devenu l’un des clavecinistes et chefs d’ensembles les plus en demande de sa génération. Il s’est produit à travers le monde, invité régulièrement par l’ensemble Cantus Cölln, le Freiburger Barockorchester, le Gesualdo-Consort et Tafelmusik, entre autres. Il est membre de l’ensemble Tragicomedia, directeur artistique du Pacific Baroque Orchestra à Vancouver et directeur musical des Voix Baroques, de Tempo Rubato et du Nouvel Opéra à Montréal.

Il a participé à l’enregistrement de plus de 100 albums et ses interprétations sont régulièrement diffusées sur diverses chaînes radio sur la scène internationale. Ses enregistrements des œuvres complètes pour clavier d’Alessandro Scarlatti ont reçu une nomination au Prix Opus dans la catégorie du meilleur album de musique ancienne au Canada et son enregistrement du Membra Jesu Nostri de Buxtehude, avec Les Voix Baroques, a été récompensé par un prix Opus et une nomination pour un prix Juno Classique.

M. Weimann est né en 1965 à Munich, en Allemagne, où il a étudié la musicologie, la théorie du théâtre, le latin médiéval, l’orgue, la musique d’église et le piano jazz. De 1990 à 1995, il a enseigné la théorie musicale, l’improvisation et le jazz à la Münchner Musikhochschule, à Munich. Depuis 1998, il donne des nombreux cours de maître en clavecin et en interprétation de la musique ancienne dans diverses institutions telles l’Université Lunds de Malmö, en Suède, la Musikhochschule de Brême, en Allemagne, et les universités Berkeley (Californie), Dartmouth (New Hampshire) et Mount Allison (N.B.) et comme coach vocal à l’Université de Montréal.

Depuis quelques années, il se consacre à ses premièrs amours jazz; il habite actuellement à Montréal.

Metteur en scène et chorégraphe

Marie-Nathalie est membre du Nouvel Opéra, directrice artistique des Jardins chorégraphiques (Montréal) et directrice associée pour le Toronto masque theater. Elle possède une formation multidisciplinaire en musique, en théâtre, en somatique et est spécialiste de la gestique et la danse baroque.

Depuis plus d’une quinzaine d’années, elle a collaboré en tant que danseuse, chorégraphe, comédienne et metteur en scène avec plusieurs ensembles et plusieurs festivals au Canada, aux États-Unis et en Europe. Elle a signé les mises en scène baroques suivantes: La descente d’Orphée de Charpentier, Giulio Cesare  de Handel, L’Incoronazione di Poppea, Il Ritorno d’Ulisse in Patria et Il Combatimento di Tancrede e Clorinda de Monteverdi, Fairy Queen et Dido and AEneas de Purcell et Pygmalion de Rameau, Mozart a Milano et Le Viegle di Sienna d’Orazio Vecchi. Également Carmen de Bizet, Elisir d’Amore de Donizetti, Les Contes d’Hoffmann d’Offenbach,  Der Zigeunerbaron et Fledermaus de Strauss. Elle a chorégraphié tout les opéras de Purcell, le Ballet de l’Impatience de Lully et fait la conception de plusieurs spectacle : Versailles Vaudou, Musique et danse en Nouvelle France et pour l’atelier Lyrique de l’Opéra de Montréal  Rossini et ses muses : Le Grand Dîner.

Mme Lacoursière enseigne la gestuelle et la danse baroque à l’université de Montréal. Elle a également donné des cours aux universités suivantes : Stanford en Californie, Sackville au Nouveau Brunswick, Bloomington en Indianna, Augustana à d’Edmonton ainsi qu’à l’université de Toronto.

Éveil corporel inspiré de la méthode Feldenkrais

Ce cours vous proposera un travail corporel visant à améliorer la souplesse, la fluidité et l'aisance de vos mouvements. Les leçons seront dirigées sur la respiration et la posture du chanteur.

«Organiser le coprs en mouvement de façon à pouvoir bouger avec un minimum d'effort et un maximum d'efficaité, non pas grâce à l'effort musculaire, mais par la conscience de ce que nous faisons.» Moshe Feldenkrais

Liz Upchurch est l’une des pianistes et professeurs de voix les plus demandées au Canada. Elle en est à sa douzième saison en tant que directrice musicale de l’Ensemble Studio à la Canadian Opera Company et a contribué à la formation d’une génération entière de chanteurs d’opéra canadiens, notamment David Pomeroy, Shannon Mercer, Robert Gleadow, Krisztina Szabo et Joe Kaiser. Elle collabore également avec des artistes réputées comme Carol Vaness, Catherine Malfitano et Marlena Malas.

Liz Upchurch est née et a grandi en Grande-Bretagne et est diplômée de la Royal Academy of Music où elle a étudié avec Roger Vignoles. Pendant plusieurs années, elle a travaillé auprès des jeunes artistes à la Pears School à Aldeburgh où elle jouait dans les classes de maître avec des artistes du calibre de Anthony Rolfe Johnson, Suzanne Danco, William Pleeth et dame Joan Sutherland. Elle a de plus travaillé au festival Kammeroper Schloss Rheinsberg en Allemagne et au National Theatre à Londres. Elle a été membre de la faculté dans le programme Opéra et chanson du 20^e siècle au Centre des Arts de Banff, et répétitrice et directrice chorale à Edmonton Opera. Elle a enseigné à l’Université de Toronto et dans le cadre du programme d’été COSI en Italie. De plus, elle compte de nombreuses radiodiffusions et performances en musique de chambre et en récital partout en Europe et en Amérique du Nord, et est l’invitée de prestigieux événements comme le Glyndebourne Festival.

Elle anime actuellement une série de concerts vocaux pour l’Ensemble Studio et leurs illustres diplômés, présentée au Richard Bradshaw Amphitheatre du Four Seasons Opera Centre.

Liz Upchurch a accompagné de nombreux artistes, et plus récemment Sondra Radvanovsky, Adrianne Piezconka, Brett Polegato et Monica Whicher. Elle a en outre enregistré un DC de chansons avec le baryton canadien Peter McGillivray intitulé Summer Schemes.

Version française à venir...

Bass-baritone and vocal teacher, a graduate of the Manhatten School of Music, Sanford Sylvan is a Grammy and Emmy nominated vocal artist renowned for his expressive interpretations and wide-ranging musical tastes. He has performed with many of the leading orchestras of the world including the New York Philharmonic, Boston Symphony, San Francisco Symphony, Cleveland Orchestra, London Symphony, Academy of Ancient Music and the NHK (Japanese Broadcasting Corporation) Symphony. He has performed in chamber music with the Chamber Music Society of Lincoln Center, Boston Symphony Chamber Players and Music from Marlboro. Sanford Sylvan has sung in nearly every New England Bach Festival since his New England Bach Festival debut in 1980. Sylvan’s festival appearances have also included the Edinburgh, Tanglewood, Vienna, Holland, Schleswig-Holstein, Ojai, and Carmel Bach. In 2003 he made his debut at Oregon Bach Festival and made his New York City Opera debut in Mozart’s The Magic Flute.

Sanford Sylvan has been highly praised for his performances in the opera productions of Peter Sellars and Craig Smith, both in the USA and Europe. He has sung in premiere performances of operas by Phillip Glass, Peter Maxwell Davies and John Adams, including the Death of Klinghoffer with performances in Lyon, Vienna, San Francisco and Glyndebourne.

Sanford Sylvan has given highly praised recitals throughout North America and Europe. With his longtime collaborator, pianist David Breitman, he has performed extensively throughout the USA, Canada and Europe in venues including Carnegie Hall and London's Wigmore Hall. Sanford Sylvan has been seen internationally in portrayals of Figaro in Le Nozze di Figaro and Don Alfonso in Cosi fan tutti in segments of “Great Performances” on PBS. He received Grammy and Emmy awards for his role in John Adams’ Nixon in China, and received Grammy nominations for his recording with David Breitman, L ’Horizon Chimérique. His recordings appear on the Nonesuch, Decca, Harmonia Mundi, Musicmasters, Bridge, Koch, Virgin Classics, New World and CRI labels.

Mr. Sylvan is currently on the vocal faculty of the Schulich School of Music at McGill University in Montreal and many of his students have already won prestigious national and international awards and recognition.

Premier Prix du Conservatoire de musique de Montréal en tuba et musique de chambre, Alain Cazes a poursuivi ses études aux États- Unis avec Joseph Novotny, Donald Harry et Ronald Bishop.

Il a été tuba solo à l'orchestre de l'état de Paraïba au Brésil, membre du quintette de cuivres "Brass-IL" et professeur à l'Université fédérale de Paraïba (UFPB). Il a enseigné à l'Université du Québec à Montréal, au Conservatoire de musique de Montréal et à l'Université de Montréal, où il a dirigé les orchestres d'instruments à vent, été responsable du secteur "cuivres" et enseigné le tuba, la musique de chambre et la direction d'orchestre à vent. Soliste à plusieurs occasions, il a exécuté les "premières" radiophoniques de plusieurs oeuvres canadiennes pour tuba, et donné des conférences se rapportant autant à la direction d'orchestre qu'aux cuivres. Il siège régulièrement aux jurys de concours ou festivals nationaux et internationaux et a de plus été membre du Summit Brass Council au Colorado. Il enseigne dans les camps d'été tels que le Centre d'Arts Orford et le Symposium International de cuivres d'Ascoli Picino en Italie. Présentement tuba solo de l'Orchestre Métropolitain, il a de plus joué avec l'Orchestre symphonique de Montréal et d'autres formations instrumentales dans le monde, sous la direction de chefs tels que; Mehta, Dutoit, Decker, Baudo, Foster, Kmura, Muller, Toppilow, Grossmann, Veltri et plusieurs autres. Il est aussi co-directeur du Choeur de l'Orchestre Métropolitain.

Membre fondateur de la Philharmonie des vents du Québec, Alain Cazes est professeur à l'Université McGill où il dirige les Orchestre d'instruments à vent, enseigne la direction et la musique de chambre, et dirige le secteur des cuivres. Il est également l'auteur de plusieurs arrangements pour divers ensembles instrumentaux, tels que trios, quatuors et quintettes de cuivres, dont certains sont publiés aux éditions GAM. Il a aussi réalisé un grand nombre d'arrangements pour Orchestre à vent et choeur mixte. Il est de plus vice-président de CIME (Centre International de Musique Évangélique).

Louis Dominique Roy a fait ses études en piano avec Helmut Blume à Montréal et avec Harald Ossberger à Vienne.  Il est présentement enseignant au Cégep de St-Laurent.  Son travail auprès des jeunes chanteurs et instrumentistes l’a amené à se produire en récital à travers le Canada et dans plusieurs pays d’Europe.  Il fut le pianiste du Choeur St-Laurent et des choeurs de l’Orchestre Symphonique de Montréal pendant douze ans où il travailla régulièrement avec des chefs de réputation internationale tels que Kent Nagano, Charles Dutoit, Zubin Metha, Jean-Claude Casadesus, Michel Plasson, Jacques Lacombe et  Eliahu Inbal. Il participa à la préparation du Requiem de Krzysztof Penderecki lors de son passage à Montréal.   

Inspiré par les gens qu’il côtoie ainsi que par certaines lectures, il aime s’adonner à la composition.  Il est l’auteur de nombreuses mélodies sur des textes québécois, de pièces pour piano ainsi que de pièces de musique chorale.

<< Revenir à la section académie

Soliste, accompagnatrice et interprète tant du répertoire courant que d’œuvres contemporaines, la pianiste Pamela Reimer a joué au Royaume-Uni, en Écosse, en Nouvelle- Zélande, en Autriche, en Suisse et dans toutes les régions du Canada et aux États-Unis. Depuis 2002, elle offre des récitals incorporant à la musique des éléments théâtraux. Elle complète son doctorat consacré au répertoire contemporain pour piano théâtral à l’Université de Montréal en 2005. On peut l’entendre avec l’ensemble Bradyworks, le Blue Rider Ensemble, l’Ensemble Contemporain de Montréal ou l’Ensemble Kore, entre autres. Accompagnatrice appréciée, elle a été retenue au Concours international de violon des Jeunesses Musicales, au concours de l’Orchestre symphonique de Montréal et au festival du Centre d’arts Orford. Elle a également joué dans l’orchestre des Grands Ballets Canadiens, l’Orchestre de chambre de McGill, l’Orchestre symphonique de Montréal et participe régulièrement au Festival de musique de chambre d’Ottawa.

FLÛTE TRAVERSIÈRE

Jocelyne Roy est membre du Nouvel Ensemble Moderne sous la direction de Lorraine Vaillancourt. Récipiendaire du Prix d'Europe 2005, Jocelyne détient un diplôme d'Études Professionnelles de la Manhattan School of Music de New York avec le professeur Robert Langevin. Jocelyne est aussi diplômée du Prix avec Grande Distinction du Conservatoire de Musique de Montréal auprès de Mme Marie-Andrée Benny en 2003 et d'un certificat d'Études Supérieures en traits d'orchestre de l'Université de Montréal sous la tutelle de M. Denis Bluteau en 2004.

Suite au Concours International Jean-Pierre Rampal 2008, Jocelyne se rend en demi-finale. En 2006 elle participe à la tournée mondiale de l'Orchestre de Verbier (Suisse) en tant que flûte solo sous la direction du Maestro Herbert Bloomstedt et du Maestro Claus Peter Flor.

Boursière du Conseil des Arts du Canada, Jocelyne est aussi récipiendaire de la fondation Sylva-Gelber.

Comme concertiste, Mlle Roy s'est jointe à divers ensembles dont Les Violons du Roy ( 2011 ), l'Orchestre Symphonique de Montréal (2004), l’Orchestre Sinfonia de la Manhattan School of Music (2005), l'Orchestre Symphonique du Conservatoire de Musique de Montréal (2002) et l'Orchestre Symphonique des jeunes de Montréal (2000).

À l'automne 2004, elle a participé à la tournée canadienne en tant qu'artiste invitée de l'Ensemble Contemporain de Montréal sous la direction de Véronique Lacroix interprétant un concerto écrit pour l'évènement.

A l'automne 2003, Jocelyne a remporté le deuxième prix dans la catégorie des Bois au Concours de musique de l'Orchestre Symphonique de Montréal. Durant cette même année, Mme Roy a reçu la Bourse Marusia-Yaworska de l'Université d'Ottawa qui souligne son talent sur la scène nationale et internationale.

En 2002-2003, elle a participé aux concours DEBUT Inc. et Jeunes Artistes Radio-Canada, ou ses deux récitals ont été diffusés à l'antenne de Radio-Canada.

Dave Laing est née à Kitchener en Ontario. Il viens d’une famille très musicale. Il a était introduit au jazz par son père et son frère aîné. Il a étudié la music a l’universite McGill a Montréal et il a commencé sa carriere professionnelle un peu plus tard. Pendant 20 ans il a travaillé avec des personnes comme Jimmy Heath, Junior Cook, Ed Bickert, Denzal Sinclaire, Ben Monder et Ranee Lee. Il vie maintenant a Montréal ou il est aussi un professeur a L’Université de Mcgill.

Dave Laing was born in Kitchener Ontario and grew up in a musical family. He was introduced to jazz music by his father and to the drums by his older brother.  Dave studied at McGill University in Montreal and began his professional career shortly thereafter.  In the past twenty years he has recorded, toured, and performed with such national and international stars as Jimmy Heath, Junior Cook, Ed Bickert, Denzal Sinclaire, Ben Monder, and Ranee Lee.  He currently resides in Montreal where he also teaches at McGill University.

Né à Sorel, le guitariste-compositeur-réalisateur Pierre Coté est l'un des musiciens les plus en demande
au Québec. Au cours des 20 dernières années, il a participé à près d'une centaine d'enregistrements avec entre autres Jimmy Haslip (Yellowjackets), Ken Peplowski, Dave Liebman, Le Cirque du Soleil, Carol Welsman, Jim Corcoran, Celine Dion, Alain Caron, Luce Dufault et plusieurs autres. Il a aussi parcouru la planète avec des artistes tels Carol Welsman, Alain Caron, Jim Corcoran, The Benny Goodman Orchestra, Marie Denise Pelletier, Johanne Provencher, etc.
À l'aise dans plusieurs styles musicaux (jazz, pop, blues, country), Pierre a également participé à plusieurs sessions d'enregistrement à Nashville, Memphis et Los Angeles. Il a composé des chansons pour des productions cinématographiques américaines et canadiennes ainsi que plusieurs thèmes pour la télévision québécoise.
Il a, à maintes reprises , été mis en nomination au gala de l'Adisq ou des Junos, soit à titre de réalisateur ou de musicien.